Introducción
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| Blessed_Ludovica_Albertoni (Bernini) |
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| Santa Cecilia Stefano Moderno |
La escultura barroca es la denominación "historiográfica" por tanto de las producciones escultóricas que van desde comienzos del siglo XVII a mediados del siglo XVIII. La imaginería y la escultura están ligadas por tanto durante esta época, empapándose todas sus obras de luz y movimiento, por lo que sus autores son, a la vez, "artistas imagineros de primer orden" y "escultores de estilo barrocos".
características
- Naturalismo, es decir, representación de la naturaleza tal y como es, sin idealizarla.
- Integración en la arquitectura, que proporciona intensidad dramática.
- Esquemas compositivos libres del geometrismo y la proporción equilibrada propia de la escultura del Renacimiento pleno. La escultura barroca busca el movimiento; se proyecta dinámicamente hacia afuera con líneas de tensión complejas, especialmente la helicoidal o serpentinata, y multiplicidad de planos y puntos de vista. Esta inestabilidad se manifiesta en la inquietud de personajes y escenas, en la amplitud y ampulosidad de los ropajes, en el contraste de texturas y superficies, a veces en la inclusión de distintos materiales, todo lo cual que produce fuertes efectos lumínicos y visuales.
- Representación del desnudo en su estado puro, como una acción congelada, conseguido mediante una composición asimétrica, donde predominan las diagonales y serpentinatas, las poses sesgadas y oblicuas, el escorzo y los contornos difusos e intermitentes, que dirigen la obra hacia el espectador con gran expresividad.
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| Felipe IV rey de España, de Nápoles, de Sicilia, y de Cerdeña. (Llamado" El Grande", o "Rey Planeta") Pietro Tecca |
A pesar de la identificación del Barroco con un "arte de la Contrarreforma", adecuado al sentimiento de la devoción popular, la escultura barroca, incluso en los países católicos, tuvo una gran pluralidad de temas (religiosos, funerarios, mitológicos, retratos, etc.) La manifestación principal es la estatuaria, utilizada para la ornamentación de espacios interiores y exteriores de los edificios, así como de los espacios abiertos, tanto privados (jardines) como públicos (plazas). Las fuentes fueron también un tipo escultórico que se acomodó muy bien con el estilo barroco. Particularmente en España, tuvieron un extraordinario desarrollo la imaginería y los retablos.
En España, para extremar el realismo de las figuras se recurre a postizos como el empleo de pelo real, corona real, ojos y lágrimas de cristal, etc. Se llegaron a crear imágenes de vestir, en las que se realizaban con minuciosidad cabeza, manos y pies para vestirlas con ropa real. Se utilizó la madera policromada como material preferido. Las obras barrocas decoraron retablos, sillerías de coro y los famosos pasos de Semana Santa. Se produce durante ese periodo la decadencia de la escultura funeraria.
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| Grupo del Santo Entierro (Sevilla) Pedro Roldán |
.. escultores barrocos de relevancia
por orden cronológico de su edad:
por orden cronológico de su edad:
Hendrick de Keyser
(1565-1621)
En su tiempo fue mejor conocido como escultor. Su gran trabajo en este campo, se puede observar en la tumba de Guillermo de Orange en Delft, introduciendo en ella la técnica y sutileza que serían precursoras de lo que muy pronto en toda Europa se denominaría en escultura el "estilo barroco". En 1613 su obra de la catedral católica de San Jan en 's-Hertogenbosch, generó un conflicto con las autoridades protestantes en su ciudad natal, que fue resuelto en última instancia por su oferta no terminar una de las esculturas.
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| Tomb of William the Silent - Amsterdam - Hendrick de Keyser |
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| Tumba de Guillermo de Orange en Delft (Hendrick de Keyser ) |
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Francisco del Rincón
(1567-1608)
Fue un escultor español del siglo XVII, considerado uno de los grandes maestros de la escuela castellana del primer Barroco. Algunos autores hablan de su consideración como maestro de Gregorio Fernández, aunque en realidad se puede hablar de Francisco del Rincón más bien como introductor del maestro gallego en la Corte de Felipe III y su valido el duque de Lerma.No se sabe con certeza si Fernández llegó a colaborar con Rincón en la escena procesional de La Elevación de la Cruz, encargada por la cofradía de La Pasión para la Semana Santa de Valladolid en 1604. Su estilo se caracteriza por un mesurado "manierismo", aunque apunta la senda del barroco. De hecho este grupo escultórico está considerado el primer paso procesional del barroco realizado íntegramente en madera policromada.
Rincón realizó varias obras de imaginería, como el Cristo de las batallas de la Iglesia de Santa María Magdalena de Valladolid o el Cristo de los carboneros para la cofradía de las Angustias, que se pueden contemplar en la iglesia de Nuestra Señora de las Angustias de la ciudad vallisoletana. En esta misma iglesia, también se le asignan las esculturas pétreas que decoran la fachada, y las tallas del retablo mayor. También le han sido atribuidos dos relieves que decoran el trascoro de la catedral de Palencia. En Nava del Rey realizó en 1607 el paso de Jesús Nazareno, imagen titular de la cofradía de la Vera Cruz. Algunas de sus obras se conservan en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid.
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| escena procesional de La Elevación de la Cruz (Valladolid) Francisco del Rincón |
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| esculturas pétreas de la fachada de iglesia de Nuestra Señora de las Angustias (Valladolid) Francisco del Rincón |
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Juan Martínez Montañés
(1568 - 1649)
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| Juan Martinez Montañéz (pintado por Velázquez) |
En contacto con maestros como Gaspar Núñez Delgado, Andrés de Ocampo y Jerónimo Hernández de quienes terminará de aprender en un ambiente de inigualables posibilidades. Gracias al afán de expansionismo religioso, de entre otros la Compañía de Jesús, las obras de Montañés fueron rápidamente conocidas en las colonias. Así ocurre con el Retablo de la Concepción de Lima.
Montañés no trabajó sólo la madera sino también el marfil con una serie de bellas figuras infantiles donde es posible palpar la graciosa ingenuidad de los bebes. Esto ocurre en el Niño Jesús bendiciendo del Sagrario de Sevilla; y en barro, material en el que modeló el busto encargado de Felipe IV y que junto al cuadro ecuestre de Velázquez debían de servir de modelo a la obra de Pietro Tacca, que aún hoy es posible admirar en la céntrica Plaza de Oriente de Madrid. Fue, gracias a este encargo real, por lo que Martínez es retratado -mientras trabajaba- por Velázquez.
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| "La cieguita" -según la llaman cariñosamente los sevillanos - (Catedral de Sevilla) - madera policromada y estofada - Juan Martinez Montañés |
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| Cristo de "la clemencia" realizado para el oratorio particular del canónigo y arcediano Mateo Vázquez de Leca (Lima) Perú Juan Martinez Montañés |
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Gregorio Fernández
(1576 - 1636)
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| Gregorio_Fernandez retrato realizao por Diego Valentín Diaz |
Es una de las personalidades más relevantes de la escultura barroca española y, en concreto, de la Escuela de Valladolid. Nació en Sarria (Lugo) y se trasladó a Valladolid en 1605 debido a que allí se había establecido la corte. Completó su formación con Rincón y comenzó a atender importantes encargos provenientes de una clientela adinerada, como por ejemplo, Felipe III, el Duque de Lerma, los Condes de Fuensaldaña o las principales órdenes monásticas.
Su producción refleja un cambio estilístico. Parte de un refinado manierismo y va evolucionando hacia el naturalismo barroco. Adecua sus trabajos a los ideales contrarreformistas que imperaban en la época y que consideran al realismo como el lenguaje plástico más idóneo. Las figuras se policroman con colores sobrios para evitar la distracción del fiel. Las actitudes son calmadas pero de intenso dramatismo y se emplean postizos como ojos de cristal, dientes de marfil, etc., para reforzar ese acercamiento a lo real. Fue uno de los grandes maestros de la escultura religiosa en madera policromada. Su realismo se aprecia en el estudio anatómico que realiza de los cuerpos, plasma la tensión de los músculos, la blandura de la carne o la suavidad de la piel. Las actitudes son calmadas, recayendo la carga expresiva en el rostro y las manos. Emplea ropajes con pliegues muy marcados que favorecen los contrastes lumínicos entre luces y sombras y postizos para aumentar la sensación de autenticidad.
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| "Sed tengo" (escena procesional) Valladolid Gregorio Fernández |
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| "Cristo yacente" (Museo de Valladolid) Gregorio Fernández |
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Stefano Maderno
(1576 – 1636)
Fue un escultor Italiano nacido en Roma a principios del siglo XVII. Es considerado uno los artistas que marcó el inicio de la transición entre el Alto renacimiento (Manierismo) y el Barroco. Se inicia en el arte de la escultura como restaurador. Algunas de las piezas que recuperaba, luego las reproducía en bronce. Las formas de sus obras revelan que el arte clásico fue una de sus principales fuentes de inspiración.
Su creación más importante fue la imagen de Santa Cecilia que realizó para la iglesia de Santa Cecilia del Trastévere en Roma. Para su ejecución se inspiró en la historia del descubrimiento del cuerpo de la Santa, reproduciendo con toda minuciosidad de detalles la postura en que se hallaba el cuerpo y sus dimensiones. Esta escultura fue ubicada sobre una losa de mármol negro. Su falta de naturalidad y la dificultad de la pose se anticipan a las composiciones barrocas. Durante esta época uno de sus rivales fue Camillo Mariani, a pesar que años más tarde su fama eclipsó aun con más fuerza debido al surgimiento de Gian Lorenzo Bernini.
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| Santa Cecilia, Stefano Maderno. |
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| Cappella Paolina en la Basílica de Santa María la Mayor - bajo relieve en bronce, mármol y lapislázuli - Stefano Maderno |
Pietro Tacca
(1577- 1640)
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| Pietro Tacca |
Su última y trabajosa empresa fue el grandioso monumento ecuestre a Felipe IV de España, realizado sobre diseño de Velázquez; otras fuentes dicen que se basaba en un cuadro ahora perdido obra de Rubens. Empezada la estatua en 1634, fue enviada a Madrid en 1640. Este monumento es la primera estatua ecuestre con el caballo erguido y sostenido sobre las patas traseras. Su desafiante estabilidad fue calculada por Galileo Galilei: el caballo se encabrita, y todo el peso recae sobre las dos patas de atrás y, discretamente, en su cola; una proeza que nunca se había intentado en una figura de escala heroica, con la que Leonardo había soñado. El éxito del proyecto se debe en parte a un truco técnico: se dice que el monumento de bronce es hueco, salvo en la mitad inferior del caballo. Esta escultura, en lo alto de un complicado pedestal, forma desde el siglo XIX el elemento central de la Plaza de Oriente madrileña. Anteriormente estaba situada en el Parque del Retiro de Madrid.
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| Estatua ecuetre de Felipe III Pietro Tacca |
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| Estatua ecuetre de Felipe IV Pietro Tacca |
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Simon Guillain
(1581)
Fue el maestro de Michel Anguier y Pierre Hutinot. Participó en 1648, en la creación de la Academia Real de Pintura y Escultura, y fue nombrado rector en 1657. Fué precursor del clasicismo francés, pero giró su trabajo en su segunda etapa siguiendo la senda del estilo Barroco que pudo ver en Italia.
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| Monument de Louis XIII. Pont au Change. Simon Guillain |
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| Charlotte_<catherine_de_la_Trémoille_de_Condé_Guillain_ - Louvre_ (París)Simon Guillain |
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Alonso de Mena
(1587 - 1646)
Alonso de Mena y Escalante. Fue un escultor granadino del barroco español. Continuador del estilo de Pablo de Rojas (1580-1607). Su hijo Pedro de Mena, fue discípulo suyo y continuador del taller de su padre, que alcanzó tanto o más renombre que su progenitor. Sus primeras imágenes muestran cierta rigidez, como la Santa Lucía en la catedral de Granada. En la iglesia de San Cecilio de Granada se encuentra la Virgen de Belén, fechada en el año 1615, por encargo del corregidor de la ciudad García Bravo de Acuña, que quedó tan complacido por la obra que le fueron pagados 50 ducados más de lo estipulado.
Otras obras destacadas son las Inmaculadas y los retablos-relicarios de la catedral de Jaén y los de la Capilla Real de Granada, donde realizó los retratos reales del banco así como las imágenes de los santos de las puertas del cuerpo principal. De su época final son el Cristo expirando para la iglesia de Santa Ana de Granada, el Crucificado de la Catedral de Málaga y el Cristo del Desamparo conservado en la iglesia de San José de Madrid, quizá su obra más conocida, realizada en madera sin policromar.
(Santa Cecilia y el Apostol Santiago)
Capilla Real de la Catedral de Granada
(Alonso de Mena)
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| "El Crucificado " - Catedral de Málaga Alonso de Mena |
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Jacques Sarrazin
(1588-1660)
Principal escultor francés de mediados del siglo XVII. Estuvo en Roma desde 1610 a 1627, y durante ese tiempo formó su estilo siguiendo el ejemplo de artistas clasicistas como Domenichino y Duquesnoy. A su regreso a París se situó a la cabeza de su profesión, abriendo un taller por el que pasaron los principales escultores de la generación siguiente (los que trabajaron en Versalles). Gran parte de lo mejor de la obra de Sarrazin fueron decoraciones arquitectónicas, en especial sus cariátides (1641) del Pavillon de l'Horloge en el Louvre.
Sarrazin dignificó las formas clasicistas en una especie de paralelismo escultórico de la arquitectura de Mansart o las pinturas de Poussin. Su obra más importante fue el retablo de San Francisco (1437-1444), pintado para la iglesia de San Francisco en Borgo San Sepolcro y hoy dispersa. La tabla central, San Francisco en éxtasis (col. Berenson, Florencia) tiene una dignidad monumental que debió impresionar a fiero della Francesca (natural de Borgo), y algunas de las restantes tablas muestran su faceta más lírica y barroca.
detalle de las cariátides del Pabellón del Reloj del Louvre
Jacques Sarrazin
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| decoraciones arquitectónicas del Pavillon de l'Horloge en el Louvre (Paris) FranciaJacques Sarrazin |
Manuel de Pereira
(1588 - 1683)
Manuel Pereira fue un escultor barroco portugués, nacido en Oporto y avecindado en Madrid, donde realizó buena parte de su obra. No se conoce otro dato de su vida y actividad hasta 1624, cuando ejecutó las estatuas en piedra de la iglesia de la Compañía de Jesús en Alcalá de Henares. Pantaleón Gómez, también escultor, colaboró con él hasta su muerte en 1645. En 1635 se encontraba en prisión por deudas, saliéndole fiadores el ensamblador Juan Bautista Garrido y el pintor Jusepe Leonardo, policromador de algunas de sus obras.
En un curioso contrato, por el que el ensamblador y arquitecto Pedro de la Torre se comprometía en 1652 a realizar el retablo de la capilla del beato Simón de Rojas en la iglesia de la Trinidad de Madrid, se pone como condición que las esculturas han de ser de mano de Pereira o de Juan Sánchez Barba, «y no de ningún otro», condición que se repetiría en 1661 en el contrato de un retablo para el convento de la Merced con el ensamblador Juan de Ocaña. En ambos casos parece que el elegido fue Sánchez Barba, el único imaginero que podía competir en Madrid con Pereira en estos años.
Obtuvo el nombramiento de Familiar del Santo Oficio, título que preferirá en su testamento al de escultor, para lo que hubo de presentar pruebas de limpieza de sangre. El mismo prurito nobiliario pondrá de manifiesto al casar a su hija Damiana con José de Mendieta, caballero de la Orden de Santiago, a la que también pertenecerán sus nietos, alegando un testigo «que él y sus ascendientes eran cavalleros fidalgos del Reyno de Portugal, donde havían exercido los oficios y ocupaciones que en aquel Reyno sólo pueden tener los cavalleros hixodalgos». Murió en Madrid en 1683, casi ciego y después de más de diez años de inactividad.
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| San Bruno - Hospedería cartuja El Paular -( Madrid ) Manuel de Pereira |
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| San Antonio de los alemanes (Madrid) Manuel de Pereira |
François Duquesnoy
(1597-1643)
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| François Duquesnoy |
Consagrada a una función ornamental, la escultura que se desarrolló en Flandes en el siglo XVII se aplicó a púlpitos, sillerías y confesionarios, aunque hay que valorar también algunos otros ejemplos notables de escultura funeraria o exenta.
Entre sus representantes cabe mencionar el trabajo de una serie de familias, como los Colijns de Nole, los Duquesnoy, los Verbruggen y los Quellin. Robert y Han Colijns de Nole fueron aún deudores del estilo gótico, estética superada por los miembros de la familia Duquesnoy, y en especial por François, cuya obra participa de los principios estéticos del Barroco. Entre sus obras más destacadas se encuentran Santa Susana (h. 1630, Santa María de Loreto, Roma) y, en general, sus pequeños angelitos, que lo dieron a conocer como fattore di putti (creador de amorcillos).
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| La victoire des sacré plus `profane` amou - Galería Spada -(Roma) ItaliaFrançois Duquesnoy |
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| "Circle" - relief with moses striking water from the rock- François Duquesnoy |
Gian Lorenzo Bernini
(1598-1680)
Su mejor aportación a la basílica de San Pedro fue, sin embargo, la columnata que rodea la plaza, justo delante del templo, que le ha valido elogios continuos por su armonía y sus efectos escenográficos. Esta columnata representó una gran novedad, no sólo por sus dimensiones, sino sobre todo por su disposición elíptica, una forma muy cara a los arquitectos barrocos, inclinados a conferir a todas sus obras efectos de movimiento. Las monumentales estatuas que la rematan en su parte superior dotan al conjunto de un aire todavía más majestuoso y solemne si cabe. Inocencio X le encargó decorar la piazza Navona con la llamada Fuente de los cuatro ríos, siendo una de las más expectaculares realizaciones. Pintor por afición, sus obras se conservan hoy en los museos más reputados por su gran calidad, lo mismo que sus dibujos, que figuran en las mejores colecciones del mundo.
nota: ... si quieres conocer un poco más sobre este impresionante escultor, os invito a consultar más información sobre su biografía y disfrutar de muchas más de sus obras , dado que lo elegí como escutor barroco, para uno de los acertijos culturales que se proponen en este blog,... y por tanto existe un apartado específico al efecto.
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| Fountain of Four Rivers, Piazza Navona, Rome Gian Lorenzo Bernini |
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| Plaza de San Pedro (Vaticano) Gian Lorenzo Bernini |
Alessandro Algardi
(1598 -1654)
Nació en Boloña, Italia. Arquitecto y escultor de obras en estilo Barroco. Sucesor de Lorenzo Bernini en la corte papal de León XI. Primeramente estudió con el pintor y diseñador gráfico boloñes Agostino Carracci para luego derivar a la escultura con el maestro Conventi. Ya a los 20 años, sus esculturas era requeridas por nobles y religiosos.
Dentro y fuera de Roma le fueron encargados multiples trabajos para iglesias. La especialidad de Algardi son las escenas y alegorías religiosas como también mitológicas. Célebres son sus estatuas de metal, sobrerrelieves y bustos en marmol. Algardi muestra un estilo particular en sus obras. Exagera la expresión corporal de sus personajes, logrando un realismo innovador para su época, cosa que acompaña con la perfección de formas y detalles
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| Busto de Olimpia Maidalchini -Museo del Hermitage - Alessandro Algardi |
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| Inocencio X, - Museo Capitolino. RomaAlessandro Algardi |
Alonso Cano
(1601-1667)
Alonso Cano; pintor, escultor, arquitecto, diseñador; …"un hombre en la línea de los grandes humanistas del pasado Renacimiento", interesado en muy diversas áreas del saber y enamorado en su madurez de una idealización y un clasicismo extraños en tiempos del Barroco tenebrista. Alonso es considerado como uno de los más importantes componentes del foco artístico escultórico granadino del s.XVII, e iniciador, junto con Pedro de Mena, de la segunda etapa dentro de la escultura española.
Nació en Granada, aprendiendo al lado de Martínez Montañés, y como pintor, durante un breve periodo, de la mano de Pacheco, cuya condición de maestro de Velázquez convertirá a ambos muchachos en condiscípulos.
Alonso va a residir en Sevilla hasta el año de 1638 en que se traslade a Madrid, donde realizará un descubrimiento que resultará clave en su producción posterior: las grandes colecciones de grabados y dibujos del rey. Su fama en la Corte será tal que, además de trabajar como pintor de cámara del Conde-Duque de Olivares, recibirá el encargo, junto a Velázquez, de seleccionar nuevas obras para el incendiado Palacio del Retiro y restaurar algunas de las dañadas. En su arte, Cano, consiguió alcanzar un difícil equilibrio entre un ideal manifesto en su canon estético de belleza, y un realismo hijo del Barroco. Una de las piezas más representativas de dichas características es su famosísima escultura, que sentó las bases para una nueva tipología, de la Inmaculada Concepción (1654) encargada por el cabildo de la Catedral de Granada para ubicarla en lo alto de un facistol.
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| Inmaculada para el facistol de la catedral de Granada (Alonso Cano) |
Juan Sánchez Barba
(1602-1673)
Juan Sánchez Barba se formó en el taller de su cuñado Antonio de Herrera como especialista en la talla de imágenes. Tras colaborar estrechamente con su maestro hasta principios de la década de los treinta, formó su propio obrador con el que se hizo un nombre en el mercado artístico madrileño gracias a su habilidad manual. Su capacidad de contratación directa se redujo a esculturas devocionales para clientes particulares y cofradías.
Además trabajó de forma intensa para los arquitectos y ensambladores que copaban la ejecución de los grandes retablos. Sus esculturas de la Pasión de Cristo le darían justa fama en el Madrid de mediados del siglo XVII. En este sentido se ha tratado de poner orden en su producción, analizando las piezas que se le han atribuido en los últimos años y aportando nuevos datos sobre algunas inéditas, como el Cristo yacente que se conserva en la iglesia parroquial de Nuestra Señora de la Asunción de Navalcarnero (Madrid).
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| "Cristo de la Agonia" - Real Oratorio Caballero de Gracia - Madrid Juan Sánchez Barba |
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| "Cristo Yacente" - Parroquia del Carmen y San Luis - Madrid Juan Sánchez Barba |
Giuliano Finelli
(1602-1653)
Nacido en Carrara, en una familia de trabajadores de mármol, en un principio trabajó en el taller de mármol de Michelangelo Naccherino y permaneció algunos años en el taller de Bernini, que abandonó en 1629. La razón de la ruptura fue la decepción por la adjudicación a Andrea Bolgi de una estatua de Santa Elena que se colocó en la Basílica de San Pedro. Otra razón aducida por Finelli tampoco era que no le fue reconocido su importante papel en la realización de Apolo y Dafne de Bernini. Por un tiempo consiguió algunos trabajos ocasionales, con la ayuda de Pietro da Cortona.
La diferencia estilística entre Bernini y Finelli era muy sútil. Finelli era muy meticuloso en la talla de pequeños detalles, así se podía observar la carga emocional de compensación, mientras que Bernini prestaba menos atención en los pliegues de la ropa de encaje, pero centrándose más en la fuerza psicológica. El contraste se puede ver en sus retratos de un patrón común, el cardenal Scipione Borghese. El retrato de Bernini es animado, mientras que el de Finelli es más sobrio. Finelli realizó la imagen del Cardenal Giulio Antonio Santorio (alrededor de 1630 en la Archibasílica de San Juan de Letrán. Pocos años después de salir del taller de Bernini, Finelli se trasladó a Nápoles con su discípulo y sobrino de Domenico Guidi. Incluso hoy en día es conocido por sus retratos y sus trece estatuas en la catedral de Nápoles, la ciudad donde estaba en competencia directa con el escultor Cosimo Fanzago.
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| Bust of Maria Barberini Duglioli, Giuliano Finelli |
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| Finelli_Kardinal_MontaltoGiuliano Finelli |
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Artus Quellinus
(1609-1668)
Artus Quellinus o Arnoldus Quellijn fue un escultor flamenco. A pesar de su nacimiento en Amberes, realizó la mayor parte de sus obras en Ámsterdam, siendo considerado por sus contemporáneos como uno de los mejores artistas barrocos de la época. Hijo del escultor Erasmus Quellinus el Viejo y hermano del pintor Erasmus Quellinus II. Después de un aprendizaje inicial junto a su padre en Amberes, viajó a Roma para recibir las enseñanzas del afamado escultor bruselés François Duquesnoy.
Desde 1648, con ocasión de la unión de las Provincias Unidas se trasladó a la ciudad de Ámsterdam, ciudad floreciente en el siglo XVII. Recibió muchos encargos de la aristocracia de Ámsterdam sin dejar de esculpir asuntos religiosos. En un entorno propicio para las artes, pudo recibir numerosos encargos de escultura y decorar los muros de numerosas fachadas. Realizó, de hecho, la mayoría de las esculturas del nuevo Ayuntamiento y del futuro Palacio Real entre 1650 y 1664. Produjo también numerosos retratos de aristócratas de Ámsterdam, como los de Andries de Graeff y Johan de Witt.
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| Allegory of Justice, Justice Triumphing over Avarice and Envy - Royal Palace (Amsterdam) Artus Quellinus |
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detalle de " The Martyrdom of St. Sebastian "
Artus Quellinus
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Bernardo de Mora
(1614-1684)
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| San Joaquín - Parroquia de la Magdalena de Granada. Bernardo de Mora |
Mora siguió trabajando a las órdenes de Cecilio López hasta la muerte de Alonso de Mena en Granada. Ambos artistas marcharán a la capital andaluza para cubrir el vacío que el fallecimiento del maestro ha ocasionado. Bernardo llegará a un acuerdo de colaboración con Pedro de Mena, el hijo del finado. En 1658 Mena traslada su taller a Málaga. Bernardo de Mora quedó solo en Granada, con un gran volumen de trabajo por asumir al quedar como el más destacado escultor de la ciudad tras la muerte de Alonso Cano en 1667. Bernardo de Mora no fue un escultor de gran impulso creativo, sino más bien, un excelente continuador del estilo y los modelos creados por artistas de superior inventiva, como Pedro de Mena o Alonso Cano.
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| Ecce Homo - Catedral de Granada Bernardo de Mora |
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Juan de Bolonia
(1529-1608)
Jean Boulogne nació en Douai (Flandes), conocido en Italia como "Giovanni Da Bologna" o más abreviadamente "Giambologna" y en España como Juan de Bolonia. Trabajó en la Italia de finales del Renacimiento. Fue autor de varias de las esculturas más famosas, en mármol y bronce, sobre temática mitológica. Ocupa asimismo un puesto clave en la historia de la escultura europea, como puente entre el Renacimiento de Miguel Ángel y el Barroco de Bernini.Estudió en Amberes con Jacques du Broeuq y se mudó a Italia en 1550, donde completó sus estudios en Roma estudiando la obra de Miguel Ángel. Juan de Bolonia pasó sus mejores años en la capital cultural de la época, Florencia, donde se asentó en 1553 bajo el mecenazgo de Bernardo Vecchietti.
Se convirtió en escultor de la corte de los Médici, que le pagaron un sueldo mensual a cambio de esculturas tanto para exposición pública como para su colección privada, realizando numerosas esculturas a lo largos de los años hasta su muerte a la edad de 79 en la misma ciudad.
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| Rapto de las Sabinas (Florencia) Juan de Bolonia |
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| "Hércules y el centauro Neso " Loggia dei Lanzi, Piazza della Signoria, FlorenciaJuan de Bolonia |
Gaspar de la Cueva
(1587 - 1640)
Gaspar de la Cueva fue un escultor español del siglo XVII discípulo de Martínez Montañés. Se cree que nació en Sevilla alrededor de 1587, en esta ciudad contrajo matrimonio en la Iglesia de Santa María Magdalena en 1609 con Catalina Ruiz de Milán. Realizó diversas obras escultóricas en Sevilla y sus alrededores, alrededor del año 1615 se embarcó con destino al virreinato del Perú, donde fue uno de los pioneros en la difusión de la escuela de escultura barroca realista sevillana en América. En Perú permaneció el resto de su vida, principalmente en Lima donde pasó penurias y permaneció varias temporadas en prisión por deudas. A partir de 1629 vivió en Potosí, ciudad en la que su actividad artística fue mucho más intensa y donde se conservan muchos de sus trabajos. Se cree que durante algunos años entre 1633 y 1638 se trasladó a Sucre (Bolivia), entonces perteneciente al virreinato del Perú, donde se han documentado algunos obras de su autoría y otras atribuidas.
Su obra está compuesta exclusivamente por imaginería religiosa. Algunas de sus tallas más conocidas son el Cristo de Burgos de la Iglesia de San Agustín, el Ecce Homo de la iglesia de San Francisco, y un San Bartolomé en el templo de Sica-Sica, todas ellas en Potosí. Entre las obras atribuidas, se encuentra el Cristo Resucitado que se conserva en la Iglesia de San Francisco (Santiago de Chile), la Virgen de Montserrat de la Hermandad de Montserrat (Sevilla) y Jesús Nazareno de la Hermandad de El Silencio (Sevilla), imagen esta última tradicionalmente asignada al escultor Francisco de Ocampo.
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| Rostro de Jesús Nazareno de la Hermandad de El Silencio (Sevilla)Gaspar de la Cueva |
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Jesús Atado a la Columna de la Iglesia de San Lorenzo de Potosí (Perú),
Gaspar de la Cuev
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Pierre Puget
(1620-1694)
Célebre escultor, arquitecto y pintor barroco de origen marsellés, Escultor de los arsenales del rey. Puget realiza para Los Jardines de Versalles sus más grandes obras, en la actualidad en el Louvre: el Milón de Crotona y el Perseo y Andrómeda. Durante mucho tiempo alejado de Versalles por su temperamento independiente, Puget obtiene de Colbert en 1670 el pedido de sus dos obras más célebres: los grupos del Milón de Crotona (1672-1683) y del Perseo y Andrómeda (1675-1684). Para realizarlas utiliza dos bloques de mármol abandonados en el astillero naval de Toulon en donde trabaja para los arsenales del Rey. Entregados en 1683 y 1684, los grupos reciben la aprobación del Rey, al principio reticente a su ímpetu. Finalmente los asigna al lugar honorífico en sus jardines: la entrada del Tapiz Verde. Los grupos permanecerán allí hasta principios del siglo XIX, fecha en la que se trasladan al Louvre para protegerlos.Apoyado por Louvois, sucesor de Colbert, Puget proyecta otros pedidos para Versalles: esculpe el Alejandro y Diógenes (1671-1693), su relieve más importante, destinado a los grandes aposentos, pero que no se instalará nunca en ellos (Louvre). Proyecta un Apolo colosal para el Gran Canal, una estatua ecuestre para el Rey, dos grupos sobre el tema de Apolo. La muerte de su protector en 1691 le impide llevar a cabo todos estos proyectos. Dividido entre Provenza e Italia, Puget realiza unas admirables esculturas de gran fuerza expresiva. Fouquet también se fija en él, y Puget realiza para él un apacible Hércules galo (Louvre), recuperado por Colbert para su Palacio de Sceaux. Opuesto al gusto académico versallés, Puget supo complacer al Rey con su audacia y su sentido trágico.
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| Puget, Perseus & Andromeda Pierre Puget |
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| Virgin & Child Pierre Puget |
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Rombout Verhuls
(1624-1698)
Rombout Verhulst fue un barroco escultor y artista flamenco que pasó la mayor parte de su vida trabajando en Holanda. Considerado el más importante escultor de su siglo en Países Bajos, trabajó en la decoración del Ayuntamiento de Amsterdam (1646) y en la del edificio del Peso Público de Leiden. Destacan en su obra los sepulcros con figuras yacentes, que representan a personajes de su época (el almirante Tromp, en Delft, etc.) Estudió en su ciudad natal de Malinas con los escultores Rombout Verstappen, Frans van Loo y quizás Lucas Faydherbe.
Entre 1646 y 1654 trabajó en Italia. En 1654 se trasladó a Amsterdam, donde trabajó con el escultor flamenco Artus en la decoración del nuevo Ayuntamiento. Alrededor de 1663 a 1664 se trasladó a Leiden, donde realizó varios trabajos para edificios urbanos. También consiguió pedidos para elaborar importantes lápidas. En 1664 se estableció en La Haya, donde en 1.668 se convirtió en miembro de la alianza. Él fue el maestro de Ene Blommendael y Ene Ebbe Laer. Es muy conocido por sus numerosos monumentos, pero también esculpió bustos, estatuas y pequeñas tallas de marfil. Uno de sus mejores bustos de los cuales Jacob Reygersbergh desde 1671 en el Museo Getty de Los Ángeles. Su obra principal es la tumba de Michiel de Ruyter en la Nieuwe Kerk de Amsterdam.
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| _tomb_of_Johan_Polyander_Van_Kerchov Rombout_Verhulst |
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| Praalgraf_in_de_kerk_van_Midwolde_detail1_ Rombout_Verhulst |
José de Mora
(1642-1724)
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| Santo Cristo de la Misericordia - Iglesia de San José - Granada José de Mora |
Transita su escultura paralela a su estado anímico y creando una imaginería de hondo sentimiento, de sensibilidad infinita que muestran una pena interior, recogida, intima, en estado de ausencia de la cosa mundana, muy posiblemente el escultor nos está representando el estado de su propia alma en Dolorosas como la Virgen de la Soledad de la Colección Güell, hoy en el Colegio de San Gregorio de Valladolid, o la Virgen de los Dolores de la Iglesia de Santa Ana de Granada. Realizó una escultura muy medida, minimalista en lo expresivo y en la policromía que había aprendido de Cano, pero que el ejecutó con menos virtuosismo y mayor austeridad en un estilo muy personal de gran eficacia artística.
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| "Virgen de la Soledad" - Museo Nacional de Escultura - José de Mora |
Pedro Roldán
1624 -1699
Toda la segunda mitad del siglo XVII está llena de su obra numerosísima y extenso influjo, que desde Sevilla, en cuya Academia de la Lonja, fundada por Murillo en 1660, fue profesor de dibujo, llega a Cádiz, Jerez, Córdoba y Jaén, en que trabaja en la fachada de la catedral. Su éxito le permite vivir desahogadamente, rodeado de ocho hijos y de un amplio círculo de discípulos y colaboradores. Fue padre de Luisa Roldán, la Roldana, y abuelo de Pedro Duque Bermejo. Mantuvo una estrecha amistad y colaboración con Juan Valdés Leal.
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| Mater Dolorosa - Sevilla Pedro Roldan |
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| El Santo Entierro del Hospital de la Caridad - Iglesia del Sagrario Pedro Roldán |
Pedro de Mena
(1628-1688)
En sus obras destacan: los rostros y rasgos alargados de sus figuras, las ropas trabajadas con unos perfiles extremadamente finos y la policromía empleada (colores en fuerte contraste) y el realismo en las encarnaduras, que se muestra claramente y, sobre todo, en su Magadalenta Penitente, «Dolorosas» y «Ecce Homo». Debido al gran impacto que produjo la imagen de San Francisco de Asís realizada para la Catedral Primada de Toledo y gracias a la intervención del cardenal Moscoso y Sandoval, antiguo conocido de su padre, fue nombrado maestro mayor de la misma.
nota: si estais interesados en consultar más datos de su biografía y obras, podéis consultar el apartado de este blog, donde se especifican y detallan algunas de sus obras, ya que seleccioné a este imaginero barroco para uno de los acertijos culturales de este blog.
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| San Francisco - Catedral de Toledo Pedro de Mena |
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| ·Ecce Homo" Museo de Escultura San Gregorio. Valladolid, España Pêdro de Mena |
François Girardon
(1628-1715)
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| François Girardon |
Participó en la decoración de la galería de Apolo del Louvre y realizó importantísimas obras para los jardines del Palacio de Versalles: el Apolo servido por la ninfas, La estatua del Invierno, el bajorrelieve El baño de las Ninfas del que, un modelo reducido, se encuentra en el Museo del Louvre.
Esculpió, asimismo, la Tumba de Richelieu, en la Sorbona, y la estatua ecuestre de Luis XIV, erigida en la plaza de Louis-le-Grand (hoy plaza Vendôme) que fue destruida durante la Revolución francesa y de la cual hay un modelo reducido en el Museo del Louvre.
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| The Rape of Persephone Francois Girardon |
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| Apollo Served by the NymphsFrançois Girardon |
Antoine Coysevox
(1640 - 1720)
Entre sus obras de Marly están el Mercurio y la ecuestre Fama (1702) y Neptuno y Anfítrite, trasladados en 1719 a los Jardines de las Tullerías; Justicia y Fortaleza y el Río Garona en Versalles.
Además de las obras antes mencionadas, hizo una docena de monumentos funerarios, incluyendo los de Colbert (en Saint-Eustache), y el del pintor Le Brun (en la iglesia de Saint Nicholas-du-Chardon). De estos mausoleos, destaca el del Cardenal Mazarino, hoy conservado en el Louvre, en el que «recoge la inspiración teatral italiana y la interpreta de modo más clásico en sus alegorías». Entre 1708 y 1710 Coysevox produjo otras tres esculturas para Marly, un Pan (hoy en el Louvre), flanqueada por una Flora y una Dríade (en los jardines de las Tullerías). Un modelo reducido en terracota de la Dríade, firmada y datada en 1709, se encuentra en el Museo Ashmoleano, Oxford.
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| Fame Mounted on Pegasus Antoine Coysevox |
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| King Louis XIV 1686 Marble Antoine Coysevox |
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Nicolás Fumo
(1647 - 1725)
Trabajó para la catedral de Lecce, donde es suya la Asunción de la Virgen del altar mayor, fechada en 1689, el mismo año en que firmó una serie de esculturas en madera dada de blanco para la iglesia de San Giovanni Battista delle Monache de Nápoles, en las que se resume el estilo ligero y de amplio efecto barroco característico del artista.
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| Sala Nicola Fumo del Convento de las Descalzas Reales (Madrid) Nicola Fumo |
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| San José del convento del Carmen de AntequeraNicola Fumo |
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Nicholas Stone
(1586-1647)
Hijo de un cantero de Woodbury, cerca de Exeter. Fue aprendiz primero de Isaac James, un maestro albañil de Londres de origen neerlandés que trabajó en Southwark, Londres. Cuando el escultor Hendrik de Keyser (1567-1621), maestro albañil en la Ciudad de Ámsterdam, visitó Londres en 1606, Stone se presentó a él y fue contratado para trabajar para él en Holanda, donde se casó con la hija de Keyser y trabajó con su hijo Pieter. Se cree que Stone participó en la ejecución del pórtico de la Westerkerk en Ámsterdam. En 1613 regresó a Londres con Bernard Janssens, un condiscípulo de Keyser y se estableció en Long Acre, St Martin-in-the-Fields, donde inició su labor y sus talleres y pronto se convirtió en el principal escultor inglés de monumentos funerarios .
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| Tomb of The family of Giffords HallNicholas Stone |
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| Tomb of Lady Elizabeth CareyNicholas Stone |
Balthasar Permoser
(1651 - 1732)
Escultor alemán nacido en .Kammer bei Traunstein . Estuvo en Italia en 1675-1689 y su vivo estilo barroco está muy influido por Bernini y Pietro da Cortona.. En 1689 se convirtió en escultor de la corte de Dresde a requerimiento del elector de Sajonia., donde pasó casi todo el resto de su vida. Permoser esculpió tanto en madera y marfil como en piedra y también utilizó ingeniosamente mármoles de color (Alma condenada, Mus. der Bildeden Künste, Leipzig, h. 1715). Se dice que Roubiliac estudió con él.Su obra más importante fue la decoración escultural del Zwinger, palacio de recreo en Dresde de Augusto el Fuerte, diseñado por el arquitecto M. D. Pöppelmann (comenzado en 1711, gravemente dañado en la Segunda Guerra Mundial). En su obra, las formas nerviosas propias del gusto rococó se ensamblan en una construcción barroca de origen berniniano. Uno de sus monumentos más conocidos es la Apoteosis del príncipe Eugenio (1721).
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| "Selene weckt Endymion“ aus Elfenbein .Balthasar Permoser |
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| detalle del "Pulpito" Balthasar Permoser |
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Luisa Roldán
(1652 - 1706)
Se formó influida principalmente por su padre, en cuyo taller de Sevilla trabajó hasta su matrimonio en 1671. Su escultura fue de temática religiosa, siguiendo las directrices del Concilio de Trento de humanizar el arte de las imágenes, para poner la religión más cercana al pueblo. Realizó esculturas de tamaño natural para procesionar, en madera o de barro cocido con policromía y muchas de ellas de las llamadas «de candelero» o para vestir, así como también otras de pequeños grupos de devoción para particulares y conventos, con gran movimiento y expresividad con plenas características del arte barroco. Ejecutó numerosos belenes en terracota de estilo italiano, inclinándose más por los que formaban una escena de la Natividad como grupo escultórico unido.
Después de una etapa de aprendizaje y primeras obras realizadas en Sevilla, en 1686 se trasladó a Cádiz para realizar diversos trabajos encargados por el cabildo municipal y el catedralicio. Después de dos años de estancia en esa capital andaluza viajó a Madrid, donde trabajó como escultora de cámara para los monarcas Carlos II y Felipe V hasta su fallecimiento.
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| Mystical Marriage of Saint Catherine Luisa Roldan "La Roldana" |
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| Ecstasy of Saint Mary Magdalene Luisa Roldan "La Roldana |
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Juan de Ávila
(1652 - 1702)
Juan de Ávila fue un escultor español que perteneció a la Escuela vallisoletana de finales del siglo XVII. Entre sus hijos se encuentran Manuel, recibido en la cofradía del Nazareno en 1704, y Pedro, casado con María Lorenza de la Peña, hija del escultor Juan Antonio de la Peña. Sus modelos, al igual que los de la mayoría de escultores la época de la escuela castellana provienen de Gregorio Fernández.
Tuvo por maestro a Francisco Díez de Tudanca, un escultor que imitaba a Gregorio Fernández en la generación posterior a la muerte del maestro Fernández. Su obra más representativa es el conjunto de escultura del retablo mayor de la iglesia de Santiago Apóstol de Valladolid, entre las que destaca la imagen ecuestre de Santiago Matamoros y la Virgen del Pilar.
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| Estatua ecuestre de Santiago Matamoros, en la iglesia de Santiago Apóstol de Valladolid. Juan de Ávila |
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| Preparativos para la Crucifixión (Paso procesional) Museo Nacional de Escultura - Valladolid Juan de Ávila |
Hendrik Frans Verbruggen
(1655 - 1674)
Hendrik Frans nació en Amberes, forma parte de una familia de escultores flamentos, conocidos por " los Verbruggen". Su padre fué Pieter el Viejo (Amberes, 1615- id., 1691) fue discípulo y ayudante de E. Quellinus, y su obra influyó en la evolución del mobiliario barroco de iglesia. Pieter el Joven fue su hermano que estuvo colaborando siempre con su padre.
Hendrik Frans talló en roble confesionarios y púlpitos, con abigarrada decoración a base de estatuas. Un buen ejemplo, es el púlpito de madera de San Miguel de Bruselas, con un grupo de Adán y Eva expulsados del paraíso.
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| Pulpito "Adam et Ève chassés du jardin d'Éden" Hendrik Frans Verbruggen |
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| "Confesionarios" Hendrik Frans Verbruggen |
Giacomo Serpotta
(1656 - 1732)
Giacomo Serpotta fue un escultor y decorador italiano nacido en Palermo. Es casi seguro que se formó en Roma. En 1682 estaba, sin duda en Palermo para la ejecución de la estatua ecuestre de Carlos II de Borbón. Empezó con el Oratorio de San Fidelio (1678) su larga carrera como decorado al estuco interior de los edificios sagrados en la ciudad de Palermo, que vivió bajo los Borbones un florecimiento de las artes, gracias a su mecenazgo. Entre sus obras de decoración hay que clasificar a los oratorios de Santa Cita, en el Rosario del San Domenico, el de San Lorenzo en la iglesia de San Francisco de Asís. Serpotta trabajó mucho en Alcamo, donde se pueden admirar numerosas y magníficas obras repartidas entre la Iglesia del Santo Crucifijo (llamado Badia Nuova) y la Iglesia de los Santos Cosme y Damián (conocido como el monasterio de las Clarisas).
La personalidad de Serpotta muy por encima de los, si bien importantes, artistas sicilianos de su tiempo, sus relieves, que se expanden en las paredes de los edificios, tales como ramas sinuosas y sensuales, que refleja en parte los motivos de la escultura barroca, pero interpretándose de una manera muy personal y con un gusto inusual que era claramente un preludio al estilo rococó. Sus famosos «teatrini», los nichos reales de gran profundidad y alta complejidad, y que representan un genio innovador que cambió la faz de la decoración del estuco en el período barroco innovador. Son un ejemplo las del Oratorio del Santo Rosario en Santa Cita, donde los misterios se volvieron alegres y tristes, igual que la extraordinaria aunque mutilada por el robo y el vandalismo, del Oratorio de San Lorenzo, la concentración de la bóveda en la vida de los santos Francisco y Lorenzo.
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| Vista general del "Oratorio de Santa Cita" Palermo Giacomo Serpotta |
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| uno de los detalles del" Oratorio de Santa Cita" Palermo Giacomo Serpotta |
Camilo Rusconi
(1658 - 1728)
Fue un escultor barroco italiano discípulo en Milán de Giuseppe Rusnati. Llegó a Roma hacia 1684, fecha en la que aparece documentado en el taller del escultor tesinense Ercole Ferrata, artista formado a la sombra de Gian Lorenzo Bernini. Sus trabajos iniciales se centraron en la realización de obras menores en estuco para la decoración arquitectónica de las iglesias de San Silvestre in Capite, San Salvador in Lauro y la Chiesa Nuova. Sus primeras obras importantes fueron las cuatro Virtudes en estuco realizadas para la capilla Ludovisi en la iglesia de San Ignacio de Loyola in Campo Marzio, seguidas de los Ángeles realizados para el coronamiento de un tímpano lateral del altar de san Ignacio en la iglesia del Gesù, proyectado por Andrea Pozzo y ejecutado en gran parte por escultores franceses, entre ellos Pierre Legros el joven.
Un prestigioso encargo fue el del monumento funerario del papa Gregorio XIII (1715 - 1723) para la Basílica de San Pedro, realizado enteramente en mármol blanco en la estela de la tumba del papa León XI de Alessandro Algardi. De otro orden es el busto de Giulia Albani degli Olivieri, tía de Clemente XI, actualmente en el Kunsthistorisches Museum de Viena, obra maestra en sus pequeñas dimensiones por el tono íntimo y delicado de su ejecución. También es suyo el relieve de la Apoteosis de san Juan Francisco de Regis que corona el actual altar mayor del monasterio de las Descalzas Reales de Madrid, labrado por encargo de Felipe V en 1716, con motivo de la beatificación del jesuita francés. Entre sus discípulos figuran algunos de los más importantes escultores romanos del siglo XVIII, como Pietro Bracci, Giovanni Battista Maini y Filippo della Valle.
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| Papa Gregorio XIII Camillo Rusconi |
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| Closeup of the vanquished of St Ignatius of Loyola ´- St Peter's Basilica- Camillo Rusconi |
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Andreas Schlüter
1664-1714
En Berlín realiza numerosos monumentos en bronce como el monumento ecuestre al Gran Elector Federico Guillermo o el de Federico III, de carácter áulico, así como una serie de bustos que por su expresividad han sido considerados lo mejor de su obra. Como arquitecto trabaja en los castillos de Potsdam y Charlottenburg; mientras que en Berlín realiza el Palacio Real y La Casa de la Moneda, ambos de tradición alemana en sus volúmenes pero de gusto italiano en las fachadas y decoraciones de interior (fuente: www.mcnbiografías)
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| Berlin Neptun von Andreas Schlüter im Bode-MuseumAndreas Schlüter |
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| Alegoria-de-la-fortaleza Andreas Schlüter |
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José Risueño
1665-1721
Las obras de Risueño tienden a ser menudas, de pequeño formato, pero con una técnica muy depurada influida por el rococó y su condición de excelente pintor. En escultura destaca el trabajo sobre barro, con el que se descubre un detalle insólito en otros muchos autores. También destacó en sus trabajos minuciosos en madera, donde se recuerda a Alonso Cano y su gran influencia. No es ajeno a otras influencias como la de Pedro Atanasio Bocanegra y Juan de Sevilla en pintura. Protegido por el arzobispo Azcalgorta desde 1693, es en esta etapa de su vida como artista cuando despunta su maestría.
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| Virgen con el Niño - Museo de Bellas Artes Granada José Risueño |
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| San Jose y el Niño José Risueño |
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José Benito de Churriguera
José Benito de Churriguera
1665 - 1725
Una de las primeras obras que le hicieron famoso fue el retablo de la capilla del Sagrario en la Catedral de Segovia, construido en 1689, que le valió, en 1690, la designación como arquitecto de la catedral. Con el retablo de la iglesia del convento de San Esteban, en Salamanca, de 1692 la obra del artista se consolidó, generando admiración y también críticas. Si bien Churriguera permaneció el resto de su vida residiendo y trabajando principalmente en la región madrileña, el puesto en Salamanca permitió la obtención de otros muchos encargos para sus hermanos y al menos para uno de sus hijos. "Churrigueresco" fue -en sus inicios- un término acuñado con sentido despectivo por los neoclacisistas, molestos por el desmembramiento formal, la profusión ornamental y la extravagancia académica de Churriguera, que llevó el dinamismo del barroco a sus extremos formales en España.
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| Retablo de la capilla del Sagrario en la catedral de Segovia, España, José Benito de Churriguera |
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| Retablo Mayor del Convento de San Esteban. - Salamanca. José Benito de Churriguera |
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Pedro Duque y Cornejo.
1677 - 1757
En Sevilla, ya en 1706 se le encargan las estatuas, angelotes y medallones en mármol del desaparecido retablo del crucero de la Iglesia del Sagrario. En la catedral hizo las esculturas del retablo de la Virgen de la Antigua, y en 1711 hace el retablo de la iglesia de San Lorenzo. En Granada, donde trabaja entre 1714 y 1719, deja quizá parte de su mejor obra. Apoteósico es el grupo de 14 esculturas que hace por encargo de la Hermandad de la Esclavitud del Sacramento, para el templo de la Virgen de las Angustias. Trabajó también en el Sagrario de la Cartuja granadina. Para él realizó una de sus más impresionantes obras, la Santa María Magdalena. Vuelve a Sevilla y en 1724 talla los órganos de la catedral, según diseños de Luis Vílchez. Realiza otros trabajos para Umbrete y para el convento de San Francisco. Desde 1748 trabaja en Córdoba en los púlpitos y en la sillería del coro de la catedral. Es ésta, quizá, su obra más importante. Tallado en caoba, armonizan en ella líneas curvas, contrastados ingleteados y movidos relieves. Son 105 sillas entre las bajas y las altas. Su imaginación no se agota y su genio da unidad a todo el conjunto.
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| Inmaculada del Retablo Mayor de la Iglesia de Santiago Apóstol de Cádiz Pedro Duque Cornejo. |
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| Retablo dedicado a San Francisco de Borja Pedro Duque Cornejo |
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Pedro de Ávila,
1678 - 1742
Su primer estilo está muy ligado al de su padre, pero más adelante se hará más barroco, con los pliegues de los paños tratados de forma muy dinámica, con el característico borde agudo («pliegues a cuchillo»). Las cabezas de las figuras tienen una forma casi rectangular, con una gran elegancia en el modelado de los cabellos. El arte de Pedro de Ávila tomará un aire mucho más naturalista, como se puede observar en las esculturas que realizó para la iglesia vallisoletana de San Felipe Neri.
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| Cristo del Olvido. - Iglesia de San Felipe Neri Pedro de Ávila |
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| Magdalena - Museo Diocesano - Valladolid Pedro de Avila |
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Georg Raphael Donner
(1693 -1741)
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| Georg Raphael Donner |
En 1725 el escultor fue a Salzburgo, donde realizó esculturas exquisitas para la escalera del castillo MIKrabell. Dos años después siguió un San Juan Nepomuceno, nuevamente para el castillo Harrach. En 1728 se trasladó a Bratislava, donde hizo muchas obras, pero cuya historia es algo incierta. La única información cierta es que a fines de 1732 trabajó para la decoración de la capilla San Juan el Limosnero en la catedral, enriqueciéndola con estatuas que representan la Historia de la Pasión y otras relacionadas con su patrón, el arzobispo Esterházy. Seguidamente trabajó en otras obras para la catedral de Bratislava, mientras que en los años treinta del mismo siglo regresó a Viena para trabajar en encargos del Ayuntamiento, el Belvedere y la famosa fuente del Neuer Markt caracterizada por ríos, y finalmente para otra de sus obras maestras, la Crucifixión en la catedral de Gurk.
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| Esslingen,1693-Viena,Georg Raphael Donner |
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| La Piedad Georg Raphael Donner |
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Narciso Tomé
(1690 - 1742)
Narciso Tomé fue un arquitecto y escultor español, nacido en Toro (Zamora). Junto con su hermano Diego esculpió en 1715 la fachada de la Universidad de Valladolid. Trabajó en Salamanca con los Churriguera. En el 27 de octubre de 1721 fue nombrado maestro de la catedral de Toledo, a las órdenes de Teodoro Ardemans y a su muerte le sucedió como maestro mayor. En esta iglesia mayor construyó, junto con cuatro hijos suyos, el célebre Transparente (1721-1732), uno de los ejemplos más notables del barroco español. También en este templo realizó otras labores escultóricas, como el retablo marmóreo de los Santos Vicente, Sabina y Cristeta que se encuentra frente al Transparente. Narciso Tomé terminó el Transparente en el año 1732 y justo entonces una delegación de Orgaz le visita en Toledo para hacerle el encargo de una imagen de Jesús Nazareno, encargo que Tomé aceptó y cumplió en un plazo corto, ya que la nueva imagen llegó a Orgaz el 19 de marzo de 1733.
Conocemos el origen de la imagen y cómo fue su festivo traslado desde Toledo a Orgaz gracias a un memorial escrito en 1734 por D. José Gómez Manzaneque, vecino de Orgaz , que está incluido en las "Ordenanzas, Privilegios y Concesiones de Indulgencias de la Esclavitud de Jesús Nazareno", que se conservan en el Archivo parroquial de Orgaz. El memorial está fechado en Orgaz el 18 de marzo de 1734, y está legalizado por el Notario Apostólico don Juan de Segovia Miguel, vecino de Orgaz, y a la vez secretario de la Esclavitud de Jesús Nazareno.
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| "Jesús Nazareno" (Orgaz) Narciso Tomé |
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| "El Transparente" (Catedral de Toledo) Narciso Tomé |
Louis Francois Roubiliac
1695/1705
Louis-François Roubiliac o Roubillac nacio en Lyon, . Fue un escultor francés, que hizo gran parte de su trabajo en el Reino Unido.Parece que se formó con el escultor barroco Balthasar Permoser de Dresde, luego en París con Nicolas Coustou. Obtuvo en 1730 el segundo Premio de Roma, otorgado por la Academia de París, y luego fue a Inglaterra en la década de 1730. Se convirtió al protestantismo y después de trabajar con el escultor Henry Cheere, abrió su propio estudio en Londres en 1740. En 1752 viajó a Italia con el pintor Thomas Hudson.
El trabajo de Louis-François Roubiliac consiste principalmente en retratos y bustos de mármol, a menudo en el campo del arte funerario. Entre sus esculturas más famosas se incluyen monumentos en la Abadía de Westminster: Handel, George Wade duque de Argyll y el monumento de José y Elizabeth ruiseñor (1761). Las estatuas de Jorge I de Gran Bretaña, sir Isaac Newton y el duque de Somerset, en Cambridge, como la estatua de Jorge II de Gran Bretaña en Golden Square (Londres), son también de él. En Trinity College (Cambridge) se encuentra una colección de sus bustos que representan a personas de esta universidad.
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| Bust_of_Richard_Bently Louis Francois Roubiliac |
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| Detalle del memorial Ann Bellamy Lynn Southwick, Northamptonshire Louis Francois Roubiliac |
Filippo della Valle
1698 - 1768
Filippo della Valle nacio en Florencia. Fue un escultor italiano. Nieto de Giovanni Battista Foggini, Filippo se trasladó muy joven a Roma y se aprovechó del momento favorable para los artistas toscanos determinado por el papa Clemente XII. De hecho, estuvo inmediatamente involucrado en la decoración de la capilla Corsini en Letrán, con Camillo Rusconi, el escultor más famoso de esos años, Giovan Battista Maini y Pietro Bracci. Luego colaboró con el también arquitecto Ferdinando Fuga en la construcción del Palazzo della Consulta Piazza del Quirinale, (con la ejecusión del relieve y trofeos militares, inició la cuarta década del siglo XVIII) y la del mausoleo del papa Inocencio XII en la Basílica de San Pedro (1746).
Participó en la séptima década, en la ejecución de Salubridad y la Fertilidad, para la construcción general de la Fontana de Trevi. Sus estatuas se colocan en el medio de la fuente, junto al Neptuno de Pietro Bracci. Filippo della Valle fue un típico exponente de la escuela escultórica romana del siglo XVIII, cuando se unió el intento de combinar el barroco de Bernini con la serenidad más clásica de Carlo Maratta y Alessandro Algardi. Estuvo afiliado a la Academia de la Arcadia y ocupó por largos años el cargo de príncipe Accademia di San Luca.
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| Fontana de Trevi Filippo della Valle |
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| detalle de la Fontana de Trevi Filippo della Valle |
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Edme Bouchardon
1698 - 1762
Edmé Bouchardon fue un escultor y dibujante francés, considerado el mejor escultor de su generación. Nacido en Chaumont, hijo de Jean Baptiste Bouchardon, también escultor. Estudió con Guillaume Coustou. En 1722 recibe el Premio de Roma, por la obra titulada Gèdèon escoge a sus soldados observando su manera de beber. Marchando a estudiar a la capital italiana, donde permanece durante diez años. Allí realiza un notable busto del Papa Benedicto XIII.
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| Cupido fabricando su arco Edme Bouchardon |
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| Vleughels Edme Bouchardon |
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| San Bartolomé Edme Bouchardon |
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René Michel Slodtz
1705 - 1764
René-Michel Slodtz conocido como Michel-Ange Slodtz, nacido en París y fallecido en en la misma ciudad, fue un escultor francés. Desarrolló su obra entre el estilo barroco y el rococó, tanto en Italia como en Francia. Fue Menus-Plaisirs del rey de Francia. Hermano de Paul Ambroise Slodtz y Sébastien Slodtz, igualmente escultores, y considerado como el más dotado de los tres. Pasó diecisiete años en Roma, donde recibió el sobrenombre de «Michel-Ange». Realizó numerosos monumentos funerarios y obras religiosas influenciado por el Barroco. En Roma fue elegido para realizar la estatua de San Bruno (1744) para un nicho de la nave de la Basílica de San Pedro . La estatua representa la negativa del santo a la mitra del obispo y el poder que son ofrecidos por un querubín, mientras que su mano derecha descansa sobre un cráneo, que le recordaba de su mortalidad. La sencillez de los trajes de los monjes y la cabeza rapada añaden el "gravitas" clásico al drama barroco. También fue el escultor de la tumba del marqués Capponi en San Giovanni dei Fiorentini . Otras obras suyas pueden verse en las iglesias romanas de San Luis de los Franceses y Santa María della Scala .
Después de su regreso a Francia en 1747, Slodtz, junto con sus hermanos, Antoine-Sebastien y Paul , produjo muchas obras de decoración en las iglesias de París, y, aunque gran parte ha sido destruida, su logro más importante fue la tumba de Languet de Gergy en la iglesia de Saint-Sulpice (inaugurada en 1750) que todavía existe. Con su hermano Sébastien, trabajó en las décadas de 1750-1760 en el coro de estilo Barroco de la Iglesia de Saint Merri en París. Slodtz fue, al igual que sus hermanos, miembro de la Académie Royale de pintura y de escultura . Muchos detalles de su vida se conservan por Charles-Nicolas Cochin , en un libro de memorias y también en una carta a la Gaceta littéraire, que fue reproducido por Castilhon en el Necrológica de 1766.
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| Terracota del grupo escultórico Diana y EndimióMichel-Ange Slodtz |
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| Chrysès Michel-Ange Slodtz |
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Juan Domingo Olivieri.
1706 - 1762
Establecido definitivamente en Madrid, y habiendo obtenido la ciudadanía española, en 1741 creó una Academia de escultura en las habitaciones donde tenía fijada su residencia en el Palacio Nuevo. La iniciativa iba a servir como precedente inmediato para la formación de la Junta Preparatoria constituida en 1744 para la fundación de la Real Academia de Bellas Artes, de la que sería su primer director general tras su creación oficial, en abril de 1752, ahora bajo el patrocinio de Fernando VI.
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| Medallón de "la Visitación" - Salesas Reales (Madrid) Juan Domingo Olivieri. |
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| Estatuas de los Reyes Visigodos en piedra caliza (Plaza de Oriente) frente al Palacio Real de Madrid Juan Domingo Olivieri. |
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Francisco Salzillo y Alcaraz
1707 - 1783
Francisco Salzillo y Alcaraz fue un escultor barroco español, nacido en Murcia y considerado como el más representativo imaginero del siglo XVIII español, así como uno de los más grandes del Barroco. Salzillo se dedicó en exclusiva a la temática religiosa y supo plasmar en su estilo los cambios que se fueron produciendo durante el siglo XVIII, lo que se vio plasmado en una escultura de transición hacia el rococó y el neoclasicismo, así como en diversos cambios que se fueron produciendo en el taller que heredó de su padre, él también escultor e imaginero, Nicolás Salzillo. Su vida transcurrió enteramente en Murcia, donde hoy día cuenta con un museo dedicado a su obra, el Museo Salzillo, que alberga algunas de sus obras más características, como el Belén o los ocho pasos que procesionan el Viernes Santo en la llamada procesión de los Salzillos.Sólo hay documentado un viaje suyo a Cartagena para la entrega de las imágenes de los Cuatro Santos en 1755. Rechazó la invitación del Conde de Floridablanca para trasladarse a Madrid, lo que le habría servido para darse a conocer en la Corte. Con el paso de los años, su obra fue adquiriendo fama y recibió multitud de encargos de iglesias y conventos de Murcia y de las provincias limítrofes: Alicante, Albacete y Almería. En 1755 se le nombró Escultor Oficial del Consejo de Murcia e inspector de pintura y escultura. Tras la muerte de su esposa en 1763, las reuniones de Salzillo con otros artistas e intelectuales murcianos se hicieron más frecuentes. En 1777 fundaron la Real Sociedad Económica de Amigos del País de Murcia, que sirvió para que en 1779 se creara la Escuela Patriótica de Dibujo, que tuvo como primer director a Salzillo.
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| Procesión "El Viernes Santo" Francisco Salzillo y Alcaraz |
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| Virgen de los Dolores - Iglesia de Santiago Apóstol Francisco Salzillo y Alcaraz |
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Luis Salvador Carmona
1708 - 1767
En sus primeros años de trabajo, Carmona realizó distintos trabajos en piedra para edificio públicos y participó en la serie de esculturas para la decoración del Palacio Real de Madrid (1750-53). En la Corte madrileña, se relacionó con círculos de la naciente Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y desde su apertura en 1752 ostentó el cargo de teniente-director de escultura, junto a Juan Pascual de Mena. El arte de Carmona gozó de una gran estima y éxito; prueba de ello son los numerosísimos encargos que recibía, no sólo del foco madrileño donde estaba establecido, sino en toda Castilla, en Guipúzcoa, Sevilla, Navarra o incluso las Indias.
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| Virgen del Rosario . Oratorio del Santo Cristo del Olivar Luis Salvador Carmona |
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| Ntro. Padre Jesus Flagelado Salamanca Luis Salvador Carmona |
Andrés de Carvajal
1709 - 1779
Andrés de Carvajal y Campos fue un escultor e imaginero español nacido en Fondón (Almería) Desde muy joven se trasladó a Granada donde se cree que fue discípulo de Diego de Mora, el hijo del también escultor Bernardo de Mora. La mayor parte de su actividad artística la desarrolló en la ciudad de Antequera en la que poseía taller propio en 1740. Está considerado uno de los principales representantes del círculo escultórico de Antequera, que fue un núcleo artístico con unas características bien definidas que alcanzó su máxima expresión en la segunda mitad del siglo XVIII.
Toda su obra conocida corresponde a imaginería religiosa, entre sus tallas destaca el Cristo del Mayor Dolor que se encuentra en la Colegiata de San Sebastian (Antequera) y procesiona el Miércoles Santo en la Cofradía del Mayor Dolor, el Cristo atado a la columna de la Iglesia de los Remedios (Estepa) y Jesús Nazareno (La Roda de Andalucia). A lo largo de su vida fue un artista que adquirió prestigio y reconocimiento social entre sus contemporáneos.
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| Jesús Nazareno (La Roda de Andalucia)Andrés de Carvajal |
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| Cristo del Mayor Dolor - Colegiata de San Sebastian (Antequera) Andrés de Carvajal |
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Ignacio Vergara
1715 -1776
Ignacio Vergara Gimeno nació en Valencia y fue un escultor español, de estilo tardobarroco. Realizó su aprendizaje en el taller de su padre, el también escultor Francisco Vergara el mayor, junto a su hermano José Vergara Gimeno, que desarrolló su carrera como pintor. Otras influencias en su formación fueron las de Evaristo Muñoz y Konrad Rudolf. Fue fundador y director general de la Academia de Santa Bárbara, posteriormente Real Academia de San Carlos y Escuela de las Nobles Artes en Valencia; y académico de mérito de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid).
Su obra más importante es la portada del Palacio del Marqués de Dos Aguas (Valencia, 1744), cuya traza arquitectónica es de Hipólito Rovira. Otras, todas ellas en piedra, son el grupo escultórico Ángeles venerando a María de la portada de la Catedral de Valencia, las imágenes de la iglesia de las Escuelas Pías (San Joaquín, San José y el Niño y Santa Ana y la Virgen en el exterior y los cuatro evangelistas sobre el altar mayor), la imagen de San Antonio Abad de la portada de la iglesia de San Martín y la imagen de San Bruno de la capilla de la Universidad de Valencia. Como imaginero en madera, destacó en la Virgen de Portacoeli de la catedral de Valencia, la de San Pedro Alcántara en el convento de San Pascual de Villarreal y las tallas de San Jerónimo y San Francisco adorando al Crucifijo. En todas ellas se identifica con el barroco final, a veces clasificado como rococó. De fecha más tardía es la Alegoría de Carlos III acompañado de la Justicia y la Prudencia en el Palacio de Justicia de Valencia, que muestra un estilo ya más cercano al neoclasicismo.
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| Ángeles venerando a María de la portada de la Catedral de ValenciaIgnacio Vergara |
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| portada del Palacio del Marqués de Dos Aguas (Valencia)Ignacio Vergara |
Fernando Ortiz
1717-1771
Fernando Ortiz, nació en Málaga. Escultor español y académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid) desde 1756. Es el escultor de mayor importancia de la capital malagueña durante el siglo XVIII . Su familia era una familia de artesanos. Vinculado a los talleres de las familias Zayas y Medina en los que adquiere el conocimiento técnico de la imaginería, talla, dorado y policromía y el lenguaje de los recursos expresivos y comunicativos del realismo barroco derivado de Pedro de Mena con las transformaciones e influencias estéticas del siglo XVIII. Inicia la actividad profesional de forma independiente en 1737, tras la hechura de San Juan Evangelista para Tarifa, siendo esta la primera obra documentada de este escultor. En el año 1756 se le nombra académico de mérito, por la sección de escultura de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y comisionado por el Palacio Real como experto en materiales pétreos, para la búsqueda e inspección de mármoles de las canteras andaluzas con destino a la construcción y decoración del edificio.
Sus clientes principales fueron, en el plano privado, los representantes del alto estamento eclesiástico y, en el institucional, la administración diocesana y las hermandades y cofradías. Su actividad desbordó el límite provincial tallando para capilla de la Divina Pastora de Motril (Granada), antes iglesia de la orden capuchina, la Divina Pastora (1745-47); el relieve que representa a la Filosofía (1756) con destino al Palacio Real, una Virgen Dolorosa en Ceuta y la Virgen de la Merced (1766) de la iglesia de la Merced de Osuna. Los escribanos públicos y procuradores le encargaron en 1749 un grupo del Santo Sepulcro con urna y una serie de ángeles y una imagen de la Virgen Dolorosa para su cofradía de Nuestra Señora de las Angustias. Años después talla una imagen (1756) de gran calidad técnica y artística con la representación de Jesus en la Oración en el Huerto. Participó en el diseño de la imaginería de la catedral malagueña.
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| Cristo de la Oración en el Huerto - Iglesia de los Santos Patronos (Málaga) - resultó gravemente dañado en 1931 - Fernando Ortiz |
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| Virgen de la Consolación y Lágrimas (Archicofradía de la Sangre) Málaga Fernando Ortiz |
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Roque López
1747 -1811
Roque López Duarte Máyquez nació en Era Alta (Murcia) y fue un escultor español. Comenzó a trabajar muy joven en el taller de Francisco Salzillo, de quien sería uno de sus más destacados discípulos, manteniendo el estilo barroco de su maestro, pero dándole a toda su obra su impronta y su magia. En 28 años de trabajo, adquirió gran fama y recibió encargos de numerosos municipios de la Región, que servirían para decorar iglesias, conventos y casas particulares.
Su obra consta de unas 500 esculturas, casi todas religiosas. La producción artística de Roque López se caracteriza por la cantidad y la calidad de sus piezas, elaborando las obras con una técnica en la que se concitan la pasión y el sentimiento como manifestaciones de la profunda vida interior por la que se caracterizaban sus personajes.
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| Santa Celicia (Murcia) Roque López |
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| "Niño de la Pasión" (Murcia) Roque López |
resumen
La escultura religiosa de esta época, con la participación de un montón de escuelas fundamentalmente españolas, ofreciendo una tendencia muy clara y general que culmina con la imaginería policromada. Se desentiende de los anteriores acentos de renacentismo, para realizar pura y simplemente la calidad humana con acentos patéticos. Ello es característico de la sensibilidad del Barroco, que huye de las formas clásicas, de invención humana, y se emociona con las formas llameantes y las visiones de la muerte, la miseria, el heroísmo y la gloria. La transición de la muerte a la gloria está representada por las escenas de martirio manchadas de sangre. Jamás se hizo una escultura que de modo tan directo se dirija a promover y evocar el sentimiento. Valladolid y Sevilla fueron sus dos grandes focos, aunque es típica de toda España, que sentía entonces una emoción fervorosa ante las exultantes manifestaciones externas de religiosidad.
Todavía hoy en día con la evolución de la imaginería contemporánea existen varios ejemplos de artistas españoles que su obra está espejada en estos grandes maestros del barroco, como es el caso de Paco Malo Guerrero, escultor imaginero jienense, del que si quereis conocer su obra, podéis acceder a su biografía en este acceso, ya que lo elegí para uno de los acertijos culturales que se proponen en este blog. (@José María Alfaro Roca)
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