... continuamos este paseo, con el Jazz y un montón de estilos más, que siguen innovando y construyendo la escalera del tiempo de la música.
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Jazz
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| Michael Finnissy |
Corriente dentro del escenario contemporáneo surgida en la década de los 80's en el Reino Unido se implanta este estilo de "nueva complejidad", o simplemente "complejo" como; "de múltiples capas de interacción de los procesos evolutivos que ocurren simultáneamente en todas las dimensiones del material musical". Es muy abstracta, disonante y atonal, caracterizada por el uso de técnicas que llevan hasta el límite las posibilidades de la escritura musical. Entre los compositores más importantes se encuentran
Brian Ferneyhough, Michael Finnissy, Chris Dench, James Dillon, Roger Redgate y Richard Barrett. Aunque en el periodo que va desde el final de la Guerra de Secesión hasta el fin del siglo XIX, ya existían algunas bandas que tocaban algo parecido a un jazz rudimentario, como las de los cornetistas
Sam Thomas, Louis Ned, James L. Harris o Robert Baker o la banda que usualmente tocaba en el Kelly's Stables de Nueva Orleans.
Suele considerarse a
Buddy Bolden como la primera gran figura y el iniciador del primer primer estilo definido de jazz, que convencionalmente se denomina «
estilo Nueva Orleans» . Aún no se ha desprendido de las influencias del ministrel y contiene todas las características propias del hot. Las improvisaciones, en el sentido que hoy las conocemos, no existían; de hecho, los solistas elaboraban largas variaciones melódicas sobre el tema principal (usualmente integrado por dos canciones diferentes), en tempos muy lentos o medios, nunca rápidos. Las bandas eran ambulantes y solían preferir siempre interpretar espirituales, ragtimes, marchas y cantos de origen afrocubano. El peso sonoro y conceptual de la música recaía en la corneta, que era quien desarrollaba las melodías, apoyada por el trombón y el clarinete, que elaboraban variaciones improvisadas sobre la melodía base. Es lo que Peter Clayton llama «la Santísima Trinidad del jazz de Nueva Orleans». El resto de los instrumentos (usualmente banjo, tuba, caja y bombo, aunque paulatinamente fueron introduciéndose el contrabajo, el piano y la batería) tenían una función meramente rítmica. En ocasiones se usaba el violín como complemento en la sección de metales.
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| Buddy Bolden |
Jazzband Se denomina con este estilo de "bandas" a una corriente en la que destacaron varias bandas
de jazz célebres con intérpretes famosos, como la de Johnny Schenk (1893), la de John Robechaux (1895), la del cornetista Freddie Keppard (1900- 1909), y otras de renombre histórico como la Onward Brass Band, la Eagle Band o la Tuxedo Brass Band del
trompetista Papa Celestin, ésta anterior al cambio de siglo. También estaban las bandas del
cornetista Papa Mutt Carey, que se reputa como el introductor de la
sordina de «desatascador» (plunger) y su típico efecto de wah-wah, y que tenía a Sidney Bechet en el
clarinete; la banda de Lorenzo Tio, o la Original Creole Orchestra, etc.
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| Tuxedo Brass Band |
Jazz de Dixieland . A poco de comenzar el siglo XX, los blancos y criollos pobres del Delta del Misisipi comenzaron a interesarse por el Hot y su influencia produjo algunas variaciones en la forma de tocar de las bandas de Nueva Orleans: se desarrollaron más las improvisaciones, se agilizaron los tempos y se buscaron estructuras rítmicas menos "africanas". El nuevo estilo "Dixieland" era "menos expresivo, pero con mayores recursos técnicos", con melodías más pulidas y armonías "limpias". Además, se introdujeron el
piano y el saxofón, y se desarrollaron técnicas instrumentales nuevas, como el estilo tailgate de los
trombonistas. Sus principales figuras fueron, en una primera época, el
corneta Papa Jack Laine, que se reputa como el "padre del dixieland"; el
trompetista Nick La Rocca y sus Original Jass; los Louisiana Five de Anton Lada; el
trombonista Edward "Kid" Ory; o los "New Orleans Rhythm Kings" del
cornetista Paul Mares. En la década de los 40, el Dixieland disfrutó de un poderoso revival, obteniendo éxito mundial grupos como los Dukes of Dixieland, de los hermanos Frank y Fred Assunto, y aún hoy en día existen bandas con nombres tan rancios como Tuxedo Jass Band u Onward Jazz Band.
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| New Orleans Rhythm Kings |
Jazz de Chicago El cierre por las autoridades de Nueva Orleans del barrio de Storyville en 1917, supuso un importante contratiempo para la mayor parte de los músicos de jazz de la zona, pues en este distrito de ocio se concentraban casi todos los locales de música en vivo. Este hecho inició la gran migración de los músicos de jazz hacia las ciudades del norte, y especialmente hacia Chicago, que gozaba por entonces de una agitada vida nocturna, con una poderosa escena de blues y ragtime, desde una década antes. King Oliver, Louis Armstrong, Sidney Bechet, Jelly Roll Morton o Johnny Dodds, entre otros muchos, se trasladaron a la «ciudad del viento» y grabaron allí sus primeros discos, a comienzos de la década de 1920.
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| Louis Armstrong |
Bluesjazz. En Chicago se desarrolló un
estilo más crudo y dinámico, con un lenguaje escueto y lacónico, desbrozado de adornos, económico en recursos, bañado «en una atmósfera exasperada, de un dinamismo acalorado, de una rígida tensión hot». El sonido perdió plasticidad al ajustarse la afinación por influencia de los músicos blancos y abandonarse la desincronización propia de la rítmica africana pero, por el contrario, se desarrolló enormemente el concepto de improvisación individual y las melodías paralelas, dejando los pasajes polifónicos para el ciclo final (sock chorus). El material temático tendió hacia un abandono de los rags y stomps y su sustitución por blues y canciones de influencia europea, con arreglos musicales escritos. De hecho, esta época es la de la explosión del llamado «blues clásico», con artistas como Bessie Smith, que se rodeaban de bandas de jazz en sustitución del tradicional acompañamiento de guitarra o piano sólo.
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| Bessie Smith |
Jazz de Nueva Orleans Se desarrolló como consecuencia de la conjunción de los músicos negros de Nueva Orleans y de jóvenes estudiantes y aficionados blancos que imitaban a aquellos, y supuso algunos cambios importantes incluso en la instrumentación típica, al comenzar a asentarse el
saxofón. Un buen número de músicos de gran relevancia son representativos del estilo: Erskine Tate, Eddie Condon, Muggsy Spanier, Wingy Manone, Pee Wee Russell o, como figura más relevante, Bix Beiderbecke.
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| Bix Beiderbecke |
Jazz High Brow. Desde muy temprano, el jazz se introdujo también en Nueva York, inicialmente a través de los pianistas que tocaban ragtime y boogie woogie en los honky tonks, como James P. Johnson, Willie "The Lion" Smith o Luckey Roberts, pero también gracias a bandas, como la de Jimmy Reese Europe o "The Memphis Students", dirigida por Will Dixon y Will Marion Cook, en época tan temprana como 1905. Algunos autores destacan también el papel que músicos como Nick La Rocca o el baterista Louis Mitchell, originario de Filadelfia, tuvieron en la extensión del jazz en la ciudad. Sin embargo, el verdadero estilo de High Brow, que más tarde se transformó en el estilo New York, comenzó con la orquesta de Fletcher Henderson, en la que tocaron todas las grandes figuras del jazz de los años 1920.
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| orquesta de Fletcher Henderson |
Jazz de New York. Sería precisamente Henderson quien mejor representó la nueva forma de tocar un tipo de jazz estilizado, menos localizado y más universal, «realizado sobre la base de una fórmula de transacción que estriba en orquestaciones preparadas de antemano y escritas para conjuntos cuyo número de instrumentos no hacía posible la polifonía hot». Pero la escuela de Nueva York dio un nombre de mayor proyección aún, Duke Ellington, procedente de Washington D.C., que alcanzó gran fama con sus sesiones en el Cotton Club de Harlem. Otros referentes importantes del estilo fueron Red Nichols y sus "Five Pennies", los McKinney's Cotton Pickers de William McKinney y Don Redman, así como la banda del pianista Sam Wooding o la del panameño de nacimiento, Luis Russell. El estido de New York, con el impulso que supuso a las big bands, fue la corriente principal de desarrollo del jazz a finales de la década de 1920, desembocando en el swing.
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| Duke Ellington |
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| Jimmie Lunceford |
Swing. Esta era del swing surgió en el último tercio de la década de 1920, los estilos de two beat habían agotado sus posibilidades de desarrollo, mientras que en Nueva York se estaba desarrollando una nueva forma de hacer jazz, que se consolidó sobre todo como resultado de la migración masiva de músicos de Chicago hacia la "ciudad de los rascacielos". Las bandas de Fletcher Henderson, Duke Ellington, Jimmie Lunceford y Chick Webb, fueron las que marcaron el rumbo de este nuevo estilo cuya principal característica fue la formación de grandes orquestas, las big bands. Además, aportaron elementos novedosos respecto de la tradición hot: la conversión de los ritmos de dos golpes (two beat) a ritmos regulares de cuatro acentos rítmicos por compás; la utilización, como recurso de tensión, del riff, frase corta repetida con crescendo final; la predominancia de pasajes melódicos interpretados straight, es decir, conforme a partitura; la extensión del fenómeno del "solista"; la revalorización del blues; etc. Este proceso no se desarrolló exclusivamente en Nueva York, puesto que en otros lugares, como Kansas City tuvo lugar una evolución similar en big bands como las de Bennie Moten o Count Basie.
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| Benny Goodman |
El estilo toma su nombre de una de las características del nuevo jazz: el swing como elemento rítmico. Se trató de una operación comercial de los agentes de Benny Goodman, que dirigía una de las bandas más populares de la época, al designarlo como "Rey del swing". Esto llevó al público, pero también a muchos críticos, a creer que "swing" era el tipo de música que hacía esta banda, consolidándose el nombre. Algunas de las bandas de la época alcanzaron un enorme éxito popular y de ventas, generando un subestilo comercial que, a la larga, acabaría por lastrar las posibilidades de desarrollo del swing: Artie Shaw, Harry James, Glenn Miller, Tommy Dorsey... Sin embargo, no todas derivaron hacia ese camino, y algunas de ellas establecieron las bases de los grandes cambios conceptuales del jazz de la década de 1940: Woody Herman, Stan Kenton, Lionel Hampton o Jay McShann.
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| Django Reinhardt |
En algunos casos, se desarrollaron escenas regionales con gran proyección y personalidad diferenciada, como es el caso del western swing (que fusionó músicas de origen folclórico) y, en Europa, del llamado jazz manouche, impulsado por Django Reinhardt. El swing fue, además, un estilo rico en grandes improvisadores, much
os de los cuales establecieron verdaderos cánones en sus respectivos instrumentos: Coleman Hawkins, Art Tatum, Chu Berry, Gene Krupa, Teddy Wilson, Fats Waller, Johnny Hodges, Benny Carter, Rex Stewart, Harry Edison y muchos otros. Fue también, paralelamente, un estilo que favoreció la proyección de los cantantes, especialmente de las cantantes femeninas: Ella Fitzgerald, Ivy Anderson (que permaneció casi doce años en la banda de Ellington, a partir de 1932), Billie Holiday, June Christy, Anita O'Day, Lena Horne o Peggy Lee. Algunos de estos instrumentistas fueron determinantes en el proceso de evolución que llevó desde el swing al be bop y al cool, destacando entre ellos el trompetista Roy Eldridge y el saxofonista Lester Young.
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| Ella Fitzgerald |
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| Dizzy Gillespie |
Bebop. Tras la era del swing, el jazz era conocido y apreciado en todo el mundo, reconocido incluso por compositores clásicos de la talla de Stravinsky. Sin embargo, el término swing gozaba de mala reputación entre los músicos: se consideraba que sólo los profesionales de menor talento se dedicaban a este tipo de música comercial, de modo que los músicos más "serios" -como Duke Ellington- se estaban alejando del estilo. El declive de las big bands de swing dio lugar a un nuevo tipo de música radicalmente diferente, cuyos únicos rasgos en común consistían en una instrumentación similar y en el interés por la improvisación. Los músicos bebop ponían el acento en el papel del solista, cuyo papel ya no era el de entertainer de épocas pasadas, sino un artista creador al servicio sólo de su propia música. La síncopa característica del swing quedaba destinada a favorecer la interpretación de las melodías; la sección rítmica se simplificaba, relegándola únicamente al contrabajo -que crecía en importancia- y a la batería, -que dejaba a un lado su antiguo papel de mero metrónomo-, incrementando con ello la libertad de
bajistas y bateristas; se introdujeron disonancias, polirritmos, nuevas paletas tonales y fraseos más irregulares; se abandonó la melodía en favor de la improvisación, y el formato de big band por el de combo, formado por muy pocos músicos; y se adoptó, incluso un look característico en el que no podía faltar sombrero, gafas de sol y perilla. El nacimiento del estilo tuvo lugar en 1941 cuando Dizzy Gillespie, Milt Hinton, Charlie Parker, Thelonious Monk y Kenny Clarke se reunieron en el Minton's Playhouse de Nueva York para una serie de conciertos informales. Dizzy Gillespie fue uno de los líderes del movimiento, con un estilo trompetístico que resumía perfectamente las características de la nueva música y una serie de temas que entraron a formar parte enseguida del repertorio básico de los músicos bop, como "A Night In Tunisia" o "Salt Peanuts".
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| Charlie Parker |
Charlie Parker fue el otro gran padre del
bebop introduciendo un nuevo lenguaje de improvisación, extendiendo el aspecto melódico y el rango rítmico del jazz hasta ese momento, y con un estilo emocional y sorprendente que quedó inmortalizado en clásicos como "Yardbird Suite", "Ornithology", "Donna Lee", "Billie's Bounce" o "Anthropology", entre otros muchos. Otros músicos de importancia dentro del estilo fueron los saxofonistas Dexter Gordon, quien adaptó el estilo de Parker con el alto al saxo tenor, y Sonny Stitt; el trompetista Fats Navarro; los trombonistas J. J. Johnson -quien adaptó el lenguaje bop al trombón-, Benny Green o Kai Winding; los pianistas Bud Powell, Thelonious Monk, Lennie Tristano, Oscar Peterson, Ahmad Jamal, George Shearing, Erroll Garner, Herbie Nichols o Tommy Flanagan; los bajistas Oscar Pettiford o Paul Chambers; los bateristas Kenny Clarke o Max Roach; o la cantante Sarah Vaughan. En el campo de las big bands, algunas de ellas, como las de Charlie Barnett, Woody Herman, Lionel Hampton o Stan Kenton, supieron adaptar su sonoridad a las nuevas exigencias, y otras, como la de Earl Hines establecieron puentes entre el viejo y el nuevo sonido. Sólo algunas lograron convertirse en verdaderas big bands de be-bop, como es el caso de las orquestas de Boyd Raeburn, Billy Eckstine y Dizzy Gillespie.
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| Woody Herman, |
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| Lennie Tristano |
Cool Jazz. El nacimiento formal de este movimiento tuvo lugar en 1948 con la publicación del álbum Birth of the Cool de Miles Davis, todo un manifiesto autodefinitorio y una de las grabaciones más influyentes de la historia. El nuevo estilo se derivaba directamente del bebop, pero resultaba una música más cerebral, que tenía como principal objetivo el establecimiento de una atmósfera "calma" y "meditativa".
El cool jazz resultó particularmente popular entre músicos blancos como Lennie Tristano, en parte por su alejamiento de las raíces africanas del jazz, pero también encontró un hueco entre las preferencias de músicos negros que estaban pasando de ser simples entertainers a adoptar un papel más activo y serio en la búsqueda de su identidad musical.
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| Gunther Schuller |
Miles Davis, quien había comenzado su carrera con Charlie Parker, dio inicio al movimiento con Birth of the Cool (1948), el primero de una serie de álbumes -Walkin (1954), Miles (1955), Cookin',Relaxing, Working o Steaming, todos de (1956)- que sentaban las bases del estilo. The Modern Jazz Quartet -originalmente la sección rítmica de Dizzy Gillespie, integrada por Milt Jackson, John Lewis, Percy Heath y Kenny Clarke- publicó Modern Jazz Quartet with Milt Jackson (1953), Modern Jazz Quartet Volume 2 (1953), y Django (1956), donde presentaban sus elegantes composiciones, en el límite entre lo barroco y lo jazzístico. Gunther Schuller fue el iniciador oficial del third stream, una corriente que establecía un puente entre la música clásica y el jazz, que tiene como ejemplo paradigmático su Jazz Abstractions (1959), y que cuenta también entre sus principales representantes a Bob Graettinger. Gil Evans produjo Gil Evans and Ten (1957), Out of the Cool (1959), o Into The Hot (1961), Bill Evans -junto a Scott LaFaro y Paul Motian- introdujo un nuevo sonido en el trío de jazz influenciado por la música clásica europea, y George Russell sobresalió como intérprete de temas modales. Otras figuras destacables fueron el vibrafonista Teddy Charles, el pianista Ran Blake o la imaginativa cantante Betty Carter.
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| Betty Carter |
West Coast jazz. En esa misma época, en la Costa Oeste, la evolución del jazz se desarrolló por caminos menos influenciados por los músicos neoyorquinos de bebop, directamente herederos de Lester Young y de la evolución que habían tenido big bands como las de Woody Herman, Conrad Gozzo, Stan Kenton o Wardell Gray. El nuevo estilo, que acabaría conformándose como la línea principal de desarrollo del cool, fue impulsado especialmente por músicos como Howard Rumsey, Shorty Rogers o Shelly Manne, y generó obras que tuvieron una enorme repercusión comercial, como es el caso de Time Out, de Dave Brubeck y Paul Desmond, que se convirtió en el primer disco de jazz en vender más de un millón de copias, gracias al tema "Take Five".También obtuvo un importante éxito comercial Stan Getz, otro de los líderes del movimiento cool, que procedía de las orquestas de Stan Kenton, Benny Goodman y Woody Herman y que terminaría popularizando la bossa nova, con sus discos West Coast Jazz, Early Autumn (1948) y Quartets (1950), mientras que Lee Konitz es considerado por algunos críticos como la quintaesencia del músico cool. Gerry Mulligan, otro de los principales representantes de esta corriente, editó Mulligan Plays Mulligan (1951), Gerry Mulligan Quartet (1952), y Mulligan Quartet (1952); Art Pepper grabó Discoveries (1954), Art Pepper Quartet (1956), Meets the Rhythm Section (1957) y Omega Alpha (1957); Jimmy Giuffre lanzó Jimmy Giuffre 3 (1956) o Western Suite (1958); Chet Baker publicó Grey December (1953), Chet Baker & Strings (1954) o Chet Baker Sextet (1954); Chico Hamilton grabó Spectacular (1955), Quintet In Hi Fi (1956) o Mr Jo Jones on Quintet (1956); Jim Hall, por último, destacó por un sonido limpio y tranquilo -justo la antítesis de Charlie Christian- que anticipaba la llegada de un tipo de jazz más suave y relajado.
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| Gerry Mulligan |
Hard bop. Como reacción ante el intelectualismo del bebop, los músicos del hard bop reivindicaron el retorno del jazz a sus orígenes, con especial acento en la energía y la espontaneidad de la música. El elemento rítmico quedaba reforzado, y los solos, derivados del lenguaje de los músicos bebop, adquirieron más fuerza y vitalidad, conformando una música agresiva e intensa. De hecho, el adjetivo "hard" (duro) tiene en esta expresión la connotación de "intenso". Tuvo especial incidencia entre los músicos de la Costa Este, y está especialmente vinculado a los músicos negros de las ciudades de los Grandes Lagos, como Chicago o Detroit. A ellos, "les gustaban las improvisaciones a pleno pulmón, los sonidos cálidos, las frases de ángulos puros, los ritmos explosivos". Para muchos autores, el hard bop fue una relectura del bebop "en pro de una vía que se abría a la prosecución de una tradición ininterrumpida en la que las raíces más profundas seguían teniendo un peso específico importante". Max Roach fue uno de los iniciadores del movimiento, junto a Art Blakey o Sonny Rollins. Destacaron asimismo los saxofonistas Cannonball Adderley, Phil Woods, Tina Brooks, Hank Mobley, Joe Henderson, Pepper Adams, Benny Golson o Jackie McLean; los trompetistas Woody Shaw, Lee Morgan, Freddie Hubbard, Donald Byrd, Blue Mitchell, Art Farmer o Clark Terry; los pianistas Mal Waldron, Bobby Timmons, Horace Parlan o Duke Pearson; la vocalista Abbey Lincoln; el guitarrista Kenny Burrell; los contrabajistas Reginald Workman, Paul Chambers y Charles Mingus; el batería Pete La Roca; o las big bands de Thad Jones o Maynard Ferguson.
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| Max Roach |
Soul jazz. Íntimamente relacionado con el hard bop, se desarrolló un estilo de jazz, quizás más específicamente una forma de tocar jazz, basada en la utilización de estructuras blues en tempo lento o medio, con un "beat" firme y sostenido, con emoción interpretativa, que se dio en llamar funky o, más tarde,
soul jazz. Un subgénero que exhibía al Hammond B3 y a sus pioneros (Wild Bill Davis, Jimmy Smith o Jimmy McGriff) como protagonistas, y que hundía también sus raíces en los trabajos de músicos como Horace Silver, Junior Mance, Les McCann, Gene Harris, Ramsey Lewis o el cantante y pianista Ray Charles. Otras figuras destacables del género fueron los organistas Brother Jack McDuff, Shirley Scott, Charles Earland, Larry Young o Richard "Groove" Holmes; los guitarristas Wes Montgomery, Grant Green o George Benson; o los saxofonistas Stanley Turrentine, Willis "Gator" Jackson, Eddie "Lockjaw" Davis, David "Fathead" Newman, Gene Ammons, Houston Person, Jimmy Forrest, King Curtis, Red Holloway, Eddie Harris y Hank Crawford.
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| Charles Earland |
Free jazz. El bop evolucionó muy rápidamente durante la década de los cincuenta y algunos músicos (George Russell o Charles Mingus entre ellos) desarrollaron, a partir de los conceptos de intuición y digresión que había anunciado la música de Lennie Tristano, formulaciones similares a las que ya se habían dado en la música clásica en los años veinte, con la irrupción, por ejemplo, de la atonalidad en el jazz de los años sesenta. Está generalmente aceptado por la crítica que, al margen de los antecedentes ya citados, el free jazz toma carta de naturaleza en 1960, con la publicación del disco homónimo de Ornette Coleman y su doble cuarteto, que supone una revolución estilística en el jazz, pero "no solamente eso, sino una puesta en crisis, una relectura y una superación virtual de todo lo que había sido el jazz, cuestionando los fundamentos socio-culturales tanto como su desarrollo histórico".26 Coleman había ya editado anteriormente algunos discos que anticipaban esta explosión, como The Shape of Jazz to Come o This Is Our Music, ambos para Atlantic Records. El free jazz prescindió de elementos hasta entonces esenciales en el jazz, como el swing, el fraseo o la entonación, abriéndose además a influencias de músicas del mundo y politizándose de forma muy ostensible. En los primeros años sesenta se asistió a una, aparentemente, irresistible ascensión del free jazz que, paralelamente, recibió una ingente cantidad de rechazos resumibles en una sola frase: «Esto no es música». Críticas que, por otra parte, provinieron no solo del público o de periodistas especializados, sino de músicos de jazz, como Roy Eldridge o Quincy Jones. A mediados de la década, prácticamente todos los músicos jóvenes de jazz estaban influidos por el "free". Cecil Taylor, Eric Dolphy y Don Cherry fueron los principales iniciadores de esta línea, pero a ellos se sumaron Carla Bley, Mike Mantler, Muhal Richard Abrams, Dollar Brand, Anthony Braxton, Marion Brown, Jimmy Giuffre, Eddie Gómez, Charlie Haden, Steve Lacy, Yusef Lateef, Gary Peacock, Sun Ra, Archie Shepp, Sonny Sharrock, Manfred Schoof, John Surman, entre otros. A mediados de la década, el free jazz se había convertido en una manera de expresión ricamente articulada que abarcaba todas las temáticas y comandaba todas las vías de desarrollo del jazz. Sin embargo, a partir de 1967 comenzó a apreciarse una clara recesión del favor del público respecto del free jazz.
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| Don Cherry |
Post bop. Un cierto número de músicos de bop habían desarrollado conceptos de improvisación más avanzados a finales de los años 1950, realizando un "jazz modal" directamente impulsado por figuras como Miles Davis o, muy especialmente, John Coltrane ya a comienzos de la década de 1960. Sus "sábanas de sonido", según bautizó el crítico Ira Gitler al sonido del cuarteto del saxofonista, abrieron el camino a un estilo que se ha dado en llamar post-bop. Éste adoptó a las experiencias hard bop un buen número de las innovaciones que había traído el free jazz, convirtiéndose en la línea de desarrollo principal (mainstream) del jazz moderno, hilo conductor hasta llegar al neo bop o "neo-tradicionalismo" de los años 1980, encabezado por Wynton Marsalis. Salvo excepciones, como Bill Evans, el sello discográfico Blue Note recogió a los principales músicos del estilo: Wayne Shorter, McCoy Tyner, Herbie Hancock o Lee Morgan.
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| John Coltrane |
Jazz fusión. El lanzamiento en 1970 de Bitches Brew, un álbum de Miles Davis que contaba con Tony Williams, Ron Carter, Herbie Hancock, Wayne Shorter o John McLaughlin, entre otros, supuso una nueva revolución en el sonido del jazz, introduciendo una instrumentación y unos esquemas rítmicos más cercanos al rock y marcando el inicio de un nuevo género que recibiría posteriormente la denominación de jazz fusion. La influencia de los grupos de rock que estaban experimentando con el jazz en la época (Soft Machine, Blood, Sweat & Tears, Colosseum, Caravan, Nucleus, Chicago y, sobre todos ellos, las distintas formaciones de Frank Zappa), terminó de perfilar un género que daría lugar posteriormente a otros muchos subestilos, siendo particularmente evidente en aspectos como la instrumentación de las nuevas bandas de jazz rock -que reemplazaron el contrabajo por el bajo eléctrico y donde la guitarra o el órgano abandonaban la sección rítmica para situarse como instrumentos solistas de pleno derecho- o en la mayor importancia de los grupos respecto a sus miembros, otra característica heredada del mundo del rock.
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| Herbie Hancock |
Jazz rock. Uno de los primeros representantes de la nueva corriente del jazz rock fue Gary Burton, quien, con la ayuda de Steve Swallow, Larry Coryell y Roy Haynes- había empezado a experimentar con rítmos de rock en The Time Machine (1966), y había introducido elementos country en Tennessee Firebird, editado ese mismo año. Tony Williams, quien se había hecho famoso en el quinteto de Miles Davis, ya había editado bajo su nombre Life Time (1964) y Spring (1965) antes de poner en marcha su Lifetime, una banda que contaba originalmente con Larry Young y John McLaughlin y que se convertiría en uno de los grupos más relevantes del género. Herbie Hancock no tardó en erigirse como uno de los máximos representantes del género a la cabeza de su grupo The Headhunters - una banda que, inspirada en los ritmos funky-psicodélicos de Sly Stone, logró el mayor éxito de ventas de la historia del jazz con su álbum homónimo editado en 1973-, mientras que Chick Corea hizo lo propio con sus Return To Forever, originalmente con Flora Purim, Joe Farrell, Stanley Clarke y Airto Moreira. Keith Jarrett publicó Gary Burton & Keith Jarrett en 1970, e hizo incursiones en el latin jazz en 'Expectations (1971), mientras que McCoy Tyner colaboró con músicos como Bennie Maupin, Bobby Hutcherson, Gary Bartz, Wayne Shorter, Alice Coltrane o Ron Carter en Expansions (1968), Cosmos o Extensions, ambos de 1970.
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| Keith Jarrett |
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| Weather Report |
Free Jazz. Desde este área del free jazz, músicos como Charlie Haden, Carla Bley, Michael Mantler o Paul Motian se encontraban elaborando una música compleja y personal, con raíces muy diversas e influencias muy heterogénas. Larry Coryell fue otro de los pioneros del jazz rock, con su participación en el álbum de 1966 Out of Sight And Sound, del grupo "Free Spirits". El álbum marcó el inicio de una serie de grabaciones bajo su nombre que culminarían en Introducing The Eleventh House (1974), primer disco de una banda -The Eleventh House- que se situaría entre las más famosas de los grupos de jazz rock de la década de 1970. Weather Report, formado originalmente por Joe Zawinul, Wayne Shorter, Miroslav Vitous, Airto Moreira y Alphonso Mouzon no sólo se convirtió en el grupo más importante del movimiento. La banda obtuvo un considerable éxito desde sus inicios, pero la llegada del bajista Jaco Pastorius en 1976 supuso un nuevo empuje para la agrupación, que con álbumes como Black Market (1976) o Heavy Weather (1977) alcanzó un notable éxito comercial. John McLaughlin recogió el testigo del revival del blues que había tenido lugar en el Reino Unido con grupos como The Rolling Stones o Cream, pero tras editar un primer álbum bajo su nombre (Extrapolation, 1969) con John Surman y Tony Oxley, fue convocado por Miles Davis para la grabación de Bitches Brew. Su My Goal's Beyond, de 1971 muestra ya abiertamente la pasión del músico por la música hindú, un interés que desarrollará con la Mahavishnu Orchestra a lo largo de la década en álbumes como The Inner Mountain Flame (1971) o Birds of Fire (1972), y, especialmente con Shakti, una banda que contaba con la participación de músicos hindúes. El baterista y pianista Jack DeJohnette es otra figura clave del movimiento, con una serie de álbumes -Have You Ever Heard (1970), Collect (1974), Untitled (1977)...- con los que quiso efectuar una nueva lectura de los clichés del jazz rock y en los que participaron músicos como John Abercrombie o David Murray. Gary Bartz había debutado con Libra (1967), un álbum en el que mostraba su estilo enraizado en la tradición del bebop y sus cualidades como compositor, pero tras reemplazar a Wayne Shorter en el grupo de Miles Davis, formó sus "NTU Troop" en 1970, para publicar un disco (Harlem Bush Music - Taifa, de 1970) en el que presentaba una música enérgica, con elementos del soul, del funk, del jazz y del rock. Billy Cobham -que había participado en Dreams junto a Randy y Michael Brecker y a John Abercrombie, y que también había pasado brevemente por el grupo de Miles Davis- editó Spectrum y Crosswinds en 1973, y Total Eclipse en 1974, todos ellos álbumes importantes en la historia del subgénero. John Abercrombie debutó discográficamente en 1974 con Timeless, con Jack DeJohnette y Jan Hammer para seguir editando álbumes en la misma línea con músicos como Marc Johnson, Peter Erskine, o Dave Holland.
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| Mahavishnu Orchestra |
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| The Brecker Brothers |
Jazz hardfunky. Los hermanos Randy y Michael Brecker formaron en 1975 The Brecker Brothers, para editar una música de gran complejidad a medio camino entre el hard bop y el funky antes de emprender sus respectivas carreras en solitario. Oregon publicó en 1972 un primer álbum -Music Of Another Present Era- que mostraba una sofisticada combinación de jazz, música clásica, improvisación, complejidad compositiva y elementos étnicos. Lonnie Liston Smith editó en 1973 su Astral Travelling, primer disco de una banda -The Cosmic Echoes- que pronto derivaría hacia el funky soul con álbumes como Expansions (1974). Steps Ahead, un supergrupo de virtuosos con Mike Mainieri a la cabeza publicó su primer trabajo -Step By Step- en 1980, el mismo año que Ronald Shannon Jackson publicó Eye On You con su grupo Decoding Society; o que Joseph Bowie, hermano de Lester, publicó "Defunkt" primer álbum de su banda homónima. Jean Luc Ponty fue el responsable de llevar el violín a la era de la electrónica, desde el comienzo de su carrera al lado de Frank Zappa en fecha tan temprana como 1968, pasando por sus colaboraciones con John McLaughlin y culminando en su carrera en solitario con álbumes como Upon The Wings Of Music, de 1975. El bajista y violonchelista Ron Carter había publicado Uptown Conversation (1969) con el contrabajo como protagonista, antes de editar Piccolo (1977), un álbum en el que empleaba el bajo piccolo, un híbrido entre el contrabajo y el cello. El virtuoso checo Miroslav Vitous destacó también en el contrabajo en álbumes como Infinite Search (1969), o Purple (1970), pero fue Stanley Clarke el encargado de poner el bajo eléctrico en el punto de mira de los aficionados, con Stanley Clarke (1974) y School Days (1976). Jaco Pastorius fue, sin embargo el gran revolucionario de ese instrumento, tanto en sus tempranas colaboraciones con Pat Metheny (Bright Size Life, 1976) o Weather Report (Heavy Weather, 1977) como, sobre todo, con su debut en solitario que, lanzado en 1976 con el título de Jaco Pastorius, fue el disco que, no sólo popularizó el bajo fretless, sino que lo situó como uno de los instrumentos más expresivos del jazz fusión. Destaca igualmente, en una línea muy funky, el bajista Jamaaladeen Tacuma (Show Stopper, 1983). Otras figuras importantes, dentro de un estilo de fusión que proviene del free jazz e incorpora elementos de la música third stream, fueron el contrabajista David Friesen (Color Pool, 1975), Collin Walcott (percusionista de Oregon y uno de los músicos más innovadores en su instrumento), el saxofonista John Klemmer (Touch, 1975), los pianistas Art Lande (Red Lanta, 1973), y Steve Kuhn (Ecstasy, 1974), y el bajista Steve Swallow (Swallow, 1991).
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| Jamaaladeen Tacuma |
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| Sonny Sharrock |
Jazz fusión. La guitarra eléctrica había alcanzado gracias a la influencia del rock una popularidad sin precedentes, que no tardó en verse reflejada en el mundo del jazz fusión con la aparición de un buen número de músicos, que la veían como el instrumento dominante en la escena del jazz, tal y como el saxofón lo había sido en épocas anteriores.
Sonny Sharrock (Black Woman, 1969; Monkie-Pockie-Boo, 1970)
James Blood Ulmer (Revealing, 1977) se encuentran entre los primeros representantes de esta corriente, al igual que
Ralph Towner (Diary, 1973), el guitarrista de la banda Oregon.
Pat Metheny había publicado en 1976 su Bright Size Life con
Jaco Pastorius y Bob Moses, un disco que tenía a la guitarra eléctrica como principal protagonista pero que, también, introducía el bajo eléctrico en el sonido del jazz, y mostraba el estilo naturalista y original, típicamente "blanco", que
Metheny desarrollaría en posteriores álbumes ya con su banda
Pat Metheny Group (Group 1978; American Garage, 1979). El japonés
Kazumi Watanabe grabó una serie de afamados discos, que se inició con Endless Way (1975), mientras que
John Scofield, que había colaborado con
Billy Cobham y Charles Mingus, editó su primer trabajo en solitario en 1977, con el título East Meets West. El virtuoso
Al DiMeola, publicó también sus primeros trabajos a mediados de la década (Land Of The Midnight Sun, 1976; Elegant Gipsy, 1977), al igual que
Steve Tibbetts (Steve Tibbets, 1976; Yr, 1980),
Steve Khan (Tightrope, 1977; The Blue Man, 1978) y
Mike Stern, que asentaría su carrera a comienzos de la década siguiente, al lado de
Billy Cobham y de Miles Davis (1981-1983). En el ámbito europeo destacaron los británicos
Neil Ardley, Mike Westbrook, Mike Gibbs, Kenny Wheeler, John Surman, Keith Tippett, Elton Dean, Basil Kirchin o el grupo Nucleus; los noruegos
Jan Garbarek y Terje Rypdal; el danés
Niels-Henning Orsted-Pedersen; los alemanes
Wolfgang Dauner, Joachim Kühn y Eberhard Weber; el italiano
Enrico Rava; el polaco
Michal Urbaniak; o el ruso
Serguéi Kuriokhin. ...
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| Pat Metheny |
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| Al DiMeola |
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| Jan Garbarek |
Jazz latino . En los primeros tiempos del jazz ya se produjo una temprana incorporación de elementos latinos a la música hot. De hecho, los ritmos de habanera, calinda, contradanza o fandango eran usuales en la música de Nueva Orleans. La presencia de elementos latinos se mantuvo en el jazz de los años 20 y 30, aunque sin la intensidad necesaria para gestar una verdadera fusión. Sin embargo, a mitad de los años 1940, la influencia cubana sobre el bop generó un estilo de fusión cuyo mejor exponente fueron la
big band de Machito, y los trabajos de
Dizzy Gillespie, que integraban elementos característicos del bebop con ritmos afrocubanos. De todos los estilos que surgieron tras la era del swing, el latin jazz ha sido uno de los que ha disfrutado de mayor popularidad, y sus esquemas básicos no han cambiado demasiado a lo largo de su historia, a través del trabajo -por citar sólo a tres de las más importantes- de
las orquestas de Tito Puente, Poncho Sánchez o Mario Bauzá.
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| Tito Puente |
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| Flora Purim |
Jazz afrocubano. A partir de mediados la década de 1960 y, especialmente, durante los años 1970, este estilo de fusión con músicas latinas, se asentó de forma definitiva en la escena del jazz. Dentro de la amplia denominación de "jazz latino", suelen incluirse músicas tan diferentes como las de origen brasileño (bossa nova, especialmente), las de origen cubano y otras de fusión con otras músicas de carácter latino (y de forma especial, el tango). Entre los muchos artistas que han desarrollado su obra en las distintas variantes de este género, cabe citar, dentro del jazz de fusión de origen brasileño, a
Flora Purim, Airto Moreira, Charlie Byrd, Antonio Carlos Jobim, Joao Gilberto, Baden Powell, Hermeto Pascoal, Dom Um Romão, Egberto Gismonti o Claudio Roditi . Y, en el entorno de la fusión de jazz con la música afro-cubana y portorriqueña, encontramos a
Irakere, Arturo Sandoval, Ray Barretto, Emiliano Salvador, Cal Tjader, Chico O'Farrill, Mongo Santamaría, Cándido, Sabú Martínez, Chano Pozo, Chucho Valdés, Steve Turre o Paquito D'Rivera, además de pianistas como
Hilton Ruiz, Gonzalo Rubalcaba y Michel Camilo, en los que el elemento latino se incorpora de forma indistinguible a su origen bop. Mucho más apegados a los estilos tradicionales cubanos, incluso a la salsa, encontramos a músicos como
Willie Bobo, Cachao, Carlos "Patato" Valdes, Tata Güines, Willie Colón, Jesús Alemany o Francisco Aguabella, además de orquestas que históricamente tuvieron una gran proyección comercial, como las de
Xavier Cugat y Pérez Prado. Fuera del mundo antillano, destacan músicos que han desarrollado trabajos de acercamiento entre el jazz y músicas tradicionales de otros lugares de América latina:
Astor Piazzolla (con sus discos en solitario o con
Gerry Mulligan),
Gato Barbieri, Osvaldo Tarantino, Alex Acuña. El estilo ha dado origen a lo largo de los años a toda una serie de subgéneros relacionados entre los que se encuentran el boogaloo, el jazz cubano, el jazz brasileño, el Latin Big Band y, por encima de todos en popularidad e importancia, la bossa nova.
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| Chucho Valdés |
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| Jesús Alemany |
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| Astor Piazzolla |
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| Miles Davis |
Jazz flamenco. Tiene su origen en la década de 1960, cuando comenzaron a surgir algunas propuestas primitivas de fusión entre el flamenco de parte de artistas como
Miles Davis (Sketches of Spain, 1960;
Flamenco Sketches, incluido en Kind of Blue, 1959) o
John Coltrane (Olé, 1961). Sin embargo, en España hubo de esperar hasta 1967, año en que el saxofonista
Pedro Iturralde editó su Jazz Flamenco (MPS), un disco que contaba con la colaboración de
Paco de Lucía y que se considera usualmente como la obra fundacional del género. Discos como My Spanish Heart de
Chick Corea (1976) o Friday Night in San Francisco, una grabación de 1980, en trío, de los guitarristas
Al DiMeola, John McLaughlin y Paco de Lucía, abundaban en la idea de la fusión de ambos géneros, dentro de una corriente de renovación en el flamenco, que después se denominó nuevo flamenco, un concepto que
De Lucía reelaboró en sus trabajos con el sexteto integrado por él mismo, su hermano
Pepe de Lucía, Ramón de Algeciras, Carles Benavent, Rubem Dantas y Jorge Pardo (Live... One Summer Night, 1984). A partir de mediados de esa década,
Benavent, Dantas y Pardo iniciaron sus carreras en solitario, ayudando a consolidar un estilo donde no tardaron en aparecer trabajos de figuras del jazz español y el flamenco, como
Joan Albert Amargós, El Potito, Antonio Carmona, Chano Domínguez, Ángel Rubio, Guillermo McGill, Gerardo Núñez, Jerry González, Juan Manuel Cañizares, Agustín Carbonell "El Bola", Perico Sambeat o Javier Colina, artistas que continúan explorando el camino abierto por
Davis, Coltrane, Iturralde y Paco de Lucía más de medio siglo atrás.
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| Pedro Iturralde |
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| Paco de Lucía |
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| Javier Colina |
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| John McLaughlin |
Otras fusiones étnicas. En el resto del mundo distintos músicos de tradiciones muy diversas continúan elaborando fusiones estilísticas que a menudo tienen al jazz como coprotagonista. Esta orientación parte en la década de 1950, con artistas como
Dizzy Gillespie, Dollar Brand, Sun Ra o Yusef Lateef, y se afianza, más tarde, a finales de los años 1960 y en la década de 1970, cuando
Don Cherry, John McLaughlin, Don Ellis o Andy Narell comenzaron a fusionar elementos étnicos tales como instrumentación, armonías o ritmos, de distintas procedencias (África, la India, Bulgaria, Francia, Brasil, Japón, la Polinesia, Marruecos, el Caribe...), en trabajos donde la improvisación característica del jazz tenía un lugar importante. Esta familia de géneros de "fusión étnica", cuya cercanía al jazz varía de un artista a otro, suele agruparse dentro del término generalista "
world music", denominación que incluye además otros estilos de carácter poco o nada relacionados con el jazz. Entre los artistas que han desarrollado su trabajo en esta línea, además de los citados, se encuentran
Shakti, Babatunde Olatunji, Zakir Hussain, Paul Winter, David Amram, Rabih Abou-Khalil, Anouar Brahem, Paul Horn, Lou Harrison, Codona, Harry Partch, Trilok Gurtu, Manu Dibango, Lakshminarayanan Shankar, Alpha Blondy, Strunz & Farah, Toshinori Kondo, M'Lumbo, Elek Bacsik, Najma Akhtar, Richard Bona o Hugh Masekela.
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| Zakir Hussain |
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| Richard Bona |
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| Hugh Masekela |
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| Kenny Barron |
Jazz neotradicionalista. El auge de este movimiento
tuvo lugar con la llegada de la década de 1980 y marcó el punto más alto de la crisis que había afectado al jazz desde la popularización masiva del rock, en la década de 1960. El jazz representaba para los negros norteamericanos la alternativa popular a la música clásica, pero en el momento en que comenzó a derivar, primero hacia el free jazz y luego hacia las distintas fusiones que tuvieron lugar en la década de 1970, fue alejándose cada vez más de sus orígenes, entrando en una crisis de identidad que a finales de esa década aún no había sido resuelta. En ese período el término "jazz" se solía identificar, simplemente con la música instrumental, los músicos blancos estaban logrando más éxito que los negros y el panorama creativo en general era bastante desalentador. Sin embargo, la llegada de los neo-tradicionalistas cambió el orden de las cosas: en lugar de abanderar una nueva revolución en el género, reivindicaron una vuelta a sus orígenes trasladando los términos del debate desde la dicotomía Free jazz / Jazz fusión al debate entre los defensores de la pureza del estilo (neo tradicionalismo) y los partidarios de su evolución.
Scott Hamilton, con su A Is a Good Wind Who Is Blowing Us No Ill (1977) inauguró el revival del jazz clásico, el mismo año en que se publicó el primer disco del quinteto
V.S.O.P., liderado por
Herbie Hancock. Una vuelta a los principios del bop, que se vio continuada en la obra de los pianistas
Kenny Barron, Joanne Brackeen, Jessica Williams, Mulgrew Miller, Fred Hersch, Marcus Roberts o Brad Mehldau; de los saxofonistas
Ernie Krivda, Joe Lovano, Bobby Watson, Dave Liebman, Joshua Redman, James Carter o Courtney Pine; de los trompetistas
Jack Walrath, Tom Harrell, Terence Blanchard, y Roy Hargrove; o del trombonista Steve Turre. Mención aparte merece
Wynton Marsalis, el principal representantes de una saga familiar de Nueva Orleans que se inicia en la obra de
Ellis Marsalis, padre del anterior (y de
Brandford, Delfeayo y Jason, todos ellos destacados músicos de jazz), y un importante educador que tuvo entre sus alumnos más destacados a
Terence Blanchard, Donald Harrison, Harry Connick, Jr., Nicholas Payton, o a Kent y Marlon Jordan, entre otros.
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| Fred Hersch |
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| Bobby Watson |
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| Wynton Marsalis |
Jazz Young Lions. La llegada a la escena de
Wynton Marsalis, considerado por la crítica como el músico de jazz más famoso desde 1980, supuso la inauguración del movimiento de los "Young Lions" (jóvenes leones), un movimiento que tuvo como resultado la contratación por parte de las grandes compañías discográficas -incluso de aquellas que nunca habían mostrado interés alguno en este tipo de música- de los jóvenes talentos del jazz. Con un conocimiento enciclopédico de la tradición de su instrumento,
Marsalis ha sido criticado por su papel conservador como director de la "
Lincoln Center Jazz Orchestra", una banda dedicada a preservar la identidad musical del jazz de los afroamericanos, pero también ha destacado por su papel de divulgador de la cultura del jazz, y como introductor de nuevos talentos.
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| Lincoln Center Jazz Orchestra |
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| Cassandra Wilson. |
Jazz contemporáneo. A mediados de la década de 1980 surgió en Nueva York el colectivo
M-Base, un grupo de músicos inspirados por las ideas armónicas de
Ornette Coleman cuyas obras giraban en torno al free jazz y al funk, con elementos procedentes de la música, la filosofía y la espiritualidad del África Occidental. Entre los representantes más destacados del colectivo se encuentran los saxofonistas
Steve Coleman, Gary Thomas y Greg Osby; el trompetista
Graham Haynes; el trombonista
Robin Eubanks; el guitarrista
Jean-Paul Bourelly; los pianistas
Geri Allen y Jason Moran; la bajista
Meshell Ndegeocello; o la cantante
Cassandra Wilson. En 1988 aparece, de la mano del DJ británico
Gilles Peterson (dedicado en esa época a editar remezclas de clásicos del jazz con bases hip hop) el término acid jazz, aplicado a un nuevo estilo musical que integraba elementos del jazz, del funk y del hip hop. El término pasó a ser el nombre de una discográfica creada por el mismo Peterson para dar salida a grupos del estilo y, finalmente, se impuso como denominación del propio género. Entre sus primeros representantes se encuentran el guitarrista
Charlie Hunter o el trío
Medeski Martin & Wood, pero no tardaron en surgir derivaciones más enfocadas a las pistas de baile como
Stereo MCs, James Taylor Quartet, Brand New Heavies, Groove Collective, Galliano, Incognito o los exitosos
Jamiroquai. Otras bandas importantes del movimiento fueron
Mondo Grosso, United Future Organization, The Jazz Warriors, Count Basic, o el guitarrista
Ronny Jordan, que desarrollaron el grueso de su discografía ya entrada la década de 1990.
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| Medeski Martin & Wood |
Jazz New Age. En 1975 el guitarrista norteamericano
William Ackerman había acuñado el término new age para definir un estilo de música instrumental de corte atmosférico, cuyo origen se podía rastrear en las fronteras del jazz con la música clásica, el folk, e incluso con la música psicodélica, la electrónica y las filosofías orientales. La nueva música, dirigida a un público acomodado y urbano, era una música genuinamente blanca, cuyo centro neurálgico se situaba en la Costa Oeste de los Estados Unidos. Ya
Tony Scott con su Music For Zen Meditation (1964) y
Paul Horn (In India, 1967), entre otros, habían experimentado con la fusión del jazz con las tradiciones musicales de oriente, pero el género tuvo que esperar hasta mediados de la década de 1970 para que músicos como
Mark Isham o David Darling comenzaran a trazar sus líneas definitivas, que quedaron bien establecidas a lo largo de toda la década siguiente en la obra de
George Winston, Michael Hedges, Daniel Kobialka, Michael Jones, David Lanz, Liz Story, Mark Nauseef, Glen Vélez, Rob Wasserman o el grupo
Shadowfax.
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| David Darling |
Jazz New Wave. Desde mediados de la década de 1970 la ciudad de Nueva York estaba experimentando una "nueva ola" de creatividad musical, tanto en el mundo del rock como en el mundo del jazz y la música de vanguardia. La revolución neoyorquina nacía de diversas raíces, y la cuestión racial era una de ellas: los músicos blancos lideraban el movimiento, y los músicos negros habían sido apartados de facto tanto de la escena de la música rock como de la clásica. El jazz se había cruzado anteriormente con otras músicas negras -el blues, el funk, el soul...-, pero hasta entonces no lo había hecho con estilos como el rock o la música clásica de vanguardia, tradicionalmente dominadas por músicos blancos. La revolución neoyorquina cambió el orden de las cosas. Entre los primeros músicos en catalizar toda esta serie de elementos estuvieron el saxofonista
John Zorn; el guitarrista
Elliott Sharp, cuyas composiciones son un ejemplo de síntesis de disonancia, repetición e improvisación;
Eugene Chadbourne, que integraba elementos del jazz de vanguardia con la música blanca de origen rural; el guitarrista
Henry Kaiser ; el violoncelista
Tom Cora; el guitarrista irlandés
Christy Doran; el baterista judío
Joey Baron; y otros muchos músicos de la misma generación.
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| John Zorn |
Jazz folk. La revolución neoyorquina se dejó sentir tanto en el tipo de material en el que los músicos se estaban embarcando como en el tipo de técnicas que empleaban para improvisar, recogiendo influencias de todo tipo y fusionándolas sin limitaciones conceptuales. Así, el saxofonista
Ned Rothenberg se estableció entre la primera línea de las nuevas generaciones de improvisadores. Otros músicos, como el trombonista
Jim Staley, o Tom Varner, un virtuoso del corno francés, se situaron entre los más originales de su generación. Mucho más conocido, el guitarrista
Bill Frisell asimiló en su obra influencias del jazz y del rock, pero también del folk, de la música de las marching bands o incluso de la música eclesiástica. Solistas el violonchelista
Hank Roberts, o Mike Shrieve (ex baterista de Santana) pusieron también su capacidad integradora en primera línea.
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| Bill Frisell |
Jazz progresivo de cámara. La segunda mitad de la década de 1990 conoció un revival de la música para big bands, una tendencia que se había originado en la década anterior, en la obra de músicos como el bajista
Saheb Sarbib o el cornetista
Butch Morris. El teclista
Wayne Horvitz desarrolló su idea del "jazz progresivo de cámara", mientras que el veterano multinstrumentista
Marty Ehrlich recogía la influencia del jazz tradicional, la improvisación, la música ligera y la música clásica de vanguardia, y la estadounidense
María Schneider, alumna de
Gil Evans, resucitó el estilo de su maestro en diversos álbumes para orquesta.
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| Wayne Horvitz |
Jazz polifónico. Durante la década de 1990 la ciudad de Chicago se convirtió en un foco de creatividad musical donde surgieron figuras de interés como la pianista
Myra Melford, que había debutado en 1984. El saxofonista
Ken Vandermark ofreció Big Head Heddie en honor a
Thelonious Monk y al gurú del funk
George Clinton, antes de embarcarse en una carrera singular en la que experimentaría con distintos formatos y aproximaciones. El violonchelista
Fred Lonberg-Holm, pupilo de
Anthony Braxton se unió a la nueva ola de improvisadores creativos, mientras que el saxofonista/clarinetista
Scott Rosenberg, otro alumno de Braxton, expandió el vocabulario del jazz con una cierta anarquía polifónica, ya en los albores del siglo XXI. Antes de finalizar la última década del siglo XX, apareció en la escena de Nueva York una nueva generación de jóvenes músicos que encontraron en la improvisación el elemento clave de su música: la arpista
Zeena Parkins, el flautista
Robert Dick, el trompetista
Toshinori Kondo, o el guitarrista
Alan Licht. Otros, como el pianista
Uri Caine o el trompetista
Dave Douglas, exploraron la relación entre el hard bop, el free jazz y la música clásica.
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| Zeena Parkins |
Jazz bop. A finales del siglo XX el legado del free jazz era muy visible entre la comunidad negra de músicos de jazz, particularmente en la escena de Nueva York, donde destacaban nombres como el saxofonista
David Ware, el irreverente trombonista
Craig Harris, o el pianista
Matthew Shipp, quien coqueteaba con el hip hop. El clarinetista de formación clásica
Don Byron había hecho su aparición en la escena neoyorquina a principios de la década de 1990, al igual que el saxofonista
Roy Nathanson o el trombonista
Curtis Fowlkes, ambos ex-miembros de
Jazz Passengers. Por último, el
grupo B Sharp Jazz Quartet insertó su obra entre el hard bop y el free jazz.
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| Craig Harris |
Jazz ecléctico. Más allá de las fronteras de Nueva York, continuaban apareciendo en los últimos años del siglo pasado una serie de artistas, que desarrollarían el grueso de su trabajo -en el que reelaboraban los conceptos establecidos por generaciones de jazzistas anteriores de múltiples y creativas maneras- ya en el nuevo siglo. Por ejemplo, el bajista
Michael Formanek había debutado en 1990, y el argentino
Guillermo Gregorio o el canadiense
Paul Plimley, ya habían editado discos a mediados de la misma década. El yugoslavo
Stevan Tickmayer, por su parte, colideró
The Science Group, un intento de fusionar la música de cámara con la improvisada. Otros músicos destacados de esta primera generación del nuevo siglo, son
Greg Kelley, y el violinista canadiense
Eyvind Kang, uno de los más eclécticos músicos de su generación. También a comienzos de los años 2000, aparecieron los discos de confirmación de músicos como el trombonista
Josh Roseman, el contrabajista
Ben Allison, el saxofonista
David Binney, o el pianista
Jason Lindner, todos ellos norteamericanos. Destacan también los trabajos del francés
Erik Truffaz y del trompetista israelí
Avishai Cohen.
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| Stevan Tickmayer |
Jazz electrónico. La revolución que había traído consigo la música electrónica ejerció también su influencia en el desarrollo del jazz, que asistió al surgimiento de una nueva generación de improvisadores, que venían de la tradición del free jazz pero que recogían la influencia de la vanguardia clásica y de la electrónica:
Ben Neill, el guitarrista y teclista
Kevin Drumm, el percusionista suizo
Günter Müller, o Miya Masaoka, de origen japonés pero nacida en Washington D.C.. Otros creadores, como
Tyondai Braxton, o el trompetista noruego
Nils Petter Molvær, experimentaron con la manipulación de loops orquestales y, caso también de
Greg Headley, manipularon electrónicamente los sonidos de sus instrumentos mientras que, por último, grupos como
Triosk efectuaron contribuciones importantes en la misma dirección.
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| Miya Masaoka |
Jazz rap. En el campo del jazz rap, que ya se había desarrollado bastante en las últimas décadas del siglo XX, y comienzos del XXI, se produce una gran cantidad de obras, por parte de grupos y músicos provenientes del hip hop, entre los que destacan
Kanye West, Crown City Rockers, Nujabes, A Tribe Called Quest, Madlib, el dúo inglés
The Herbaliser y Hocus Pocus,
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| Crown City Rockers |
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| "Tin Pan Alley"- núm. 28 de West Street, Manhattan - |
Tin Pan Alley. En su sentido más amplio, se refiere a una serie de géneros musicales que tienen un gran atractivo y que generalmente son distribuidos a grandes audiencias a través de la industria de la música. Esto está en contraste tanto con la música culta, como con la música tradicional, las cuales normalmente se difunden académicamente o por vía oral, a audiencias locales, o más pequeñas. a aplicación original del término fue adoptada en la década de 1880 en el período conocido como Tin Pan Alley en los Estados Unidos. Tin Pan Alley es un término que designa a un grupo de productores y compositores musicales centrados en la ciudad de Nueva York que dominaron la música popular estadounidense durante los últimos años del siglo XIX y comienzos del siglo XX. El nacimiento del Tin Pan Alley suele datarse hacia 1885, cuando varios editores musicales se trasladaron al distrito de Manhattan, concretamente al número 28 de West Street, entre Broadway y Sixth Avenue. La importancia artística e industrial del grupo Tin Pan Alley cayó dramáticamente al inicio de la Gran Depresión en la década de los años 1930, en el periodo en que las industrias fonográfica y radiofónica comenzaban a sustituir a la industria de publicación de partituras como motor de la industria musical estadounidense.
Tin Pan Alley continuó ejerciendo cierta influencia hasta la década de los años 1950, cuando comenzó a desarrollarse el Rock and roll. El término Tin Pan Alley puede utilizarse también para describir el área geográfica donde se concentra un gran número de productores musicales o tiendas de instrumentos musicales, como, por ejemplo, la calle Denmark en Londres; en la década de los años 1920, dicha calle era conocida como "Britain's Tin Pan Alley", por la cantidad de tiendas de instrumentos musicales. Actualmente sigue conservando dicho sobrenombre y la misma profusión de tiendas, realizándose en ella cada verano el festival británico Tin Pan Alley Festival.
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| calle Denmark de Londres, conocida como "Britain's Tin Pan Alley" |
La "Música" no se quedó encallada en ningún momento a lo largo de los miles y miles de años junto al hombre, ... y mucho menos el "Jazz" durante el siglo XX, aunque fue este un estilo que gracias a su propia fuerza y a las comunicaciones (radio, televisión ,...) se enganchó en cada uno de los poros de los habitantes de todos los continentes.
Los estilos musicales siguieron su camino incesante e infinito, creando distintas formas y modos de interpretación, generando siempre modernas tendencias, gustos insaciables y melodías mágicas que conectaban con miles y miles de personas al tiempo.
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Rock and Roll
Término que agrupa de un modo general el conjunto de corrientes musicales que surgen mediado el siglo en Estados Unidos. Considerado sinónimo de la "música del siglo XX", el rock pierde con los años el marcado carácter anglosajón que tiene en sus orígenes para transformarse en un lenguaje universal y sometido a continuo cambio. Al surgir de un modo espectacular y desarrollarse en principio como un fenómeno de masas que trastornó la vida y los ideales de América, no puede considerarse como un movimiento musical en sentido estricto. Sus raíces son tan plurales que sintetizan las principales ramas de la llamada música popular estadounidense, sobre todo el blues, el rhythm and blues, el gospel y el country and western.
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| Muddy Waters |
No obstante los evidentes vínculos que posee con las más profundas esencias de la música de los negros afroamericanos el rock es en realidad el resultado, tras una larga síntesis que se inicia con el siglo, de la adaptación de estas fuentes a una concepción y una estética 'blanca', lo que generó las primeras actitudes públicas de rechazo, algunas de ellas muy conflictivas. Si el compositor y bluesman negro
Muddy Waters, (1915-1983), lo consideraba como "un hijo del rhythm and blues al que llamaron rock", numerosas organizaciones racistas estadounidenses afirmaban con desprecio y energía, según sus panfletos y los abundantes testimonios de sus líderes de entonces, que representaba la música que "rebajaba al hombre blanco a la categoría del negro". La variante, en cualquier caso, de acuerdo con estas interpretaciones, radicaría en el hecho de que la base del rock, el viejo blues, estaba revisada, para mayor gloria de la raza blanca, a través de inyecciones de ritmo tan pronto más dulce, como de andanadas de sonido estridente, rápido y energético.
Esta síntesis ligera de blues y rhythm and blues, como se la denominó durante mucho tiempo, hallaría su ídolo fundacional a mediados de los años cincuenta en la figura de
Elvis Presley ("The Pelvis")(1935-1977), aun cuando desde la primera grabación de blues registrada en la historia ('Crazy Blues', un tema cantado en 1920 por
Mammie Smith) hubieran pasado casi tres decenios. Esta vía de 'desencuentro', conforme con sus raíces negras, la seguirían cantantes como
Bessie Smith ('la Emperatriz del blues'),
Billie Holiday, Little Richard y, ya en la esfera de la música de finales de los sesenta cantada por mujeres blancas,
Janis Joplin. Para entonces, por los espasmódicos bailes que suscitaba en grandes masas de jóvenes y sus ritmos trepidantes, el rock se había transformado en algo más que música, era rock and roll (mecer y rodar), energía en estado puro.
Importantes destacados en el "rock and roll", fueron entre otros:
Chuck Berry, Buddy Holly, Elvis Presley, The Beatles, The Rolling Stones, David Bowie, B.B.King, Eric Clapton, Country and Western, Bo Diddley, Bob Dylan, Los Brincos, Miguel Ríos, Teddy Bautista. ...
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| Chuck Berry |
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| B.B.King |
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| Miguel Ríos |
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Folk
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| Joan Baez |
Voces inglesas que significan canción popular, con las que se designan, en el marco de la música pop, los cantos inspirados en canciones tradicionales pero interpretados con sensibilidad actual. En Estados Unidos de América, no sólo canciones extraídas del folclore si no también canciones originales, en general contestatarias y ``comprometidas ´´ destacando los intérpretes
Woodie Guthrie, Joan Baez, Judy Collins yBob Dilan durante los años sesenta.
En Europa, el Folk permaneció mas vinculado al repertorio tradicional y ha inspirado a numerosos cantantes como a
Woodie Guthrie, Joan Baez, Judy Collins, Bob Dilan, Fairport Convention, Steeleye Span, Graeme Allwright, Alan Stivell, Malicorne, Bamboche, María del Mar Bonet, Bibiano, Mikel Laboa, Jose Antonio Labordeta, y a Los Sabandeños.
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| Bob Dilan |
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| María del Mar Bonet |
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| Los Sabandeños |
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Soul
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| Ray Charles |
Nombre dado, en los años sesenta, a la música popular negra surtida del rythm and blues.
Una compañía negra de Memphis, Stax, contribuyo particularmente a definir el estilo Soul, pronto imitado por la firma Atlantic en Nueva York y Tamla-Motown en Detroit.
El primer ingrediente de la soul music es la voz del cantante o de la cantante: vigorosa, expresiva, influida por el gospel y los negro spirituals.
En este sentido,
Ray Charles fue el gran percusores la soul music.La orquestación soul es relativamente sencilla, sólida y sin florituras. Comprende obligatoriamente una sección de cobres, cuyos riffs brillantes y crecientes confieren a la música una gran parte de su fuerza.El gran periodo de la soul music fue de 1965 a 1970.
Destacaron en este estilo, entre otros intérpretes,
Otis Redding, James Brown, ArethaFranklin, Wilson Pickett, Al Green, Stevie Wonder, Smokey Robinson y Marvin Gaye.
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| Otis Redding |
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| ArethaFranklin |
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| Stevie Wonder |
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Twist
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| Chubby Checker |
Baile muy popular que surgió a comienzos de la década de 1960. Fue difundido como canción y baile para todas las edades por Chubby Checker. No existían pasos preestablecidos y el movimiento básico era un enérgico giro de la cadera y los pies.Fue uno de los primeros bailes que se podían bailar sin pareja, aunque frecuentemente se intercalaba entre otros. La orquestación soul es relativamente sencilla, sólida y sin florituras.Por eso pudo ser al mismo tiempo sensual y moralmente aceptable, lleno de vitalidad juvenil o más tranquilo en el caso de bailarines de más edad.Gracias a su gran popularidad en todo el mundo y para públicos de todas las edades, fue visto como un sustituto del rock and roll precedente.Los beneficios comerciales fueron inmediatamente aprovechados por las salas de baile y la industria de la moda. Este éxito se debió en gran medida a la publicidad. Ninguno de los bailes que lo reemplazaron a partir de 1965 pudo igualar su impacto. El Twist ese denominó así así a partir de una canción que lo originó: "The Twist". Las parejas no se tocaban mientras bailaban. Este baile lo popularizó
Chubby Checker en 1960 con su versión del tema de The Twist compuesto por Hank Ballard en 1959. La versión de Checker llegó al número uno de los ránkings de los Estados Unidos, y se convirtió en el poseedor de un récord al ser el primer sencillo en alcanzar el primer lugar dos veces en años diferentes. La primera vez en 1960 y luego en 1962.
A España el Twist llegó en 1962, y fue entonces cuando grupos y solistas comenzaron a versionar y crear nuevos twist. Algunos de ellos son Lolita twist, el twist de la risa, flamenco twist, el twist del reloj etc. En América Latina, la locura por el Twist se desató también entre los años 1960-1962 pero no por las versiones de
Checker o
Ballard, sino por la de
Bill Haley & His Comets. En México, fueron grandes éxitos temas "The Spanish Twist", "Florida Twist y "Twist-er", donde la banda consiguió el reconocimiento de ser los iniciadores del baile de moda.
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| Bill Haley & His Comets |
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Beat
En jazz, significa este término "pulsación o golpe regular y de igual intensidad, no sometidos a división métrica o rítmica". La música Beat es un género nacido en el Reino Unido a principios de los años 1960. Una parte de este estilo se denominó como Merseybeat, en referencia a los grupos surgidos en la región de Merseyside a la que pertenece Liverpool, la ciudad que vio nacer a los Beatles y a otros grupos del género. Los instrumentos habituales de la música Beat son la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico y la batería y su sonido se caracteriza por la sincronización de estos dos últimos. La parte vocal puede recordar al doo wop con coros repitiendo sílabas sin significado, pero a diferencia de este género, los falsetes y los tonos demasiado graves no son habituales. En un principio, los grupos beat tocaban fundamentalmente canciones de rock and roll y R&B, hasta que The Beatles comenzaron a grabar sus propias canciones.
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| The Searchers |
El género se originó en Liverpool, aunque muchos de sus grupos pasaron temporadas actuando en Hamburgo, Alemania, consistía de en interpretar canciones de R&B con influencias de doo wop, skiffle y en mayor medida rock and roll. Además de los Beatles, otras bandas importantes del género procedentes de Liverpool fueron
The Searchers, Gerry and the Pacemakers y The Merseybeats, quienes en su mayoría de se curtieron actuando en el Cavern Club de esta ciudad inglesa. Las bandas beat más importantes además de las de Liverpool, fueron
The Hollies, Herman's Hermits, The Dave Clark Five, The Monkees, los primeros
The Zombies y los australianos
Easybeats.
Su época dorada tuvo lugar entre los años 1963 y 1965, a mediados de esta década inició su decadencia cuando la mayoría de las bandas beat comenzaron a tocar rock psicodélico. Muchos de estos grupos dieron lugar a la llamada Invasión británica, como fue conocida la oleada de artistas de rock británico que obtuvieron una gran popularidad en Estados Unidos a mediados de los años 60, liderados por
The Beatles.
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| The Beatles |
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Reggae:
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| Jimmy Cliff |
Estilo musical moderno jamaicano. Los orígenes del reggae pueden encontrarse en el mento, una mezcla del folclore africano con el jazz, el gospel y el calipso, que apareció en Jamaica durante la década de 1940. La influencia del rhythm and blues, que llegaba a la isla a través de las emisoras de radio de Estados Unidos, propició que los músicos jamaicanos experimentaran con tambores y con nuevos modelos de bajos. Este estilo evolucionado e inquieto, conocido en la década de 1960 como ska, está representado por artistas como Prince Buster and the Skatalites. Hacia 1966 el tempo se había suavizado hasta llegar al estilo rocksteady, que abrió el camino al reggae. La canción “Do The Reggay” de
The Maytals (1968) supuso una de las primeras apariciones de esta palabra. El reggae invirtió los tradicionales modelos del rock, permitiendo que la guitarra mantuviera la tensión rítmica, con frecuentes acordes a contratiempo, mientras el bajo de guitarra interpretaba modelos melódicos.
Jimmy Cliff fue la primera estrella internacional del reggae, debido en gran medida a su papel protagonista en la película The Harder They Come (Caiga quien caiga, 1973, de Perry Henzell) y a su banda sonora, que incluye una canción de Jimmy Cliff.
Bob Marley fue el cantante más prolífico de la siguiente generación. Combinó melodías influidas por el soul con letras contestatarias. Su música se inspira en el rastafarismo, mezcla de misticismo bíblico y conciencia afrocaribeña.
Marley trató de la liberación de la opresión y la lucha por los derechos, al tiempo que abogaba por el uso de las drogas (marihuana) como sacramento. Este credo se popularizó con el disco Natty Dread (1975).
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| Bob Marley |
En el momento de la muerte de Marley en 1981, él y su grupo
The Wailers eran conocidos en todo el mundo. El sonido del reggae fue continuamente reinventado por técnicos de sonido como Lee Perry y King Tubby. Utilizaron efectos de retardo y eco para crear un sonido conocido como dub. Disc-jockeys como U Roy y I Roy dieron a conocer grabaciones de un estilo denominado toasting. Grupos como Culture and the Abyssinians utilizaron armonías sonoras en obras con profundas meditaciones religiosas. Durante la década de 1980, el reggae se propagó por artistas como
Gregory Isaacs. El estilo raggamuffin o ragga que aparece en el disco de
Wayne Smith Under Me Sleng Teng (1985) se caracteriza por utilizar una base electrónica. Intérpretes de otras culturas como
Eric Clapton, Paul Simon y The Police han adoptado muchos elementos de la música reggae. En el mismo sentido, el grupo inglés
UB40 consiguió un gran éxito en 1988 con Red Wine.
Muchas bandas e intérpretes en esta época conectaron con en este estilo, como
Prince Buster, The Skatalites, Jimmy Cliff, Bob Marley, Natty Dread, The Wailers, Lee Perry, King Tubby, the Abyssinians-Culture, Gregory Isaacs, Eric Clapton, Paul Simon, The Police y Red Wine.
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| The Skatalites |
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| Eric Clapton |
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| The Police |
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Heavy metal:
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| Led Zeppelin |
Corriente del rock que en su sentido literal se define como metal duro y pesado. La expresión 'heavy metal' tiene un origen literario: un personaje creado por el narrador estadounidense William Seward Burroughs en su peculiar código metafórico, al que da vida en The Soft Machine (La máquina blanda, 1961), llamado 'Chico Heavy Metal'. Estos términos fueron utilizados por el crítico de la revista Rolling Stone y más tarde novelista y editor Barry Gifford para aludir pocos años después al movimiento de recuperación del rock and roll en su línea más radical, que encabezaron bandas británicas y estadounidenses. No obstante serán sobre todo grupos como
Deep Purple con su álbum Shades of Deep Purple (1968) y
Led Zeppelin, que a principios de 1969, con la publicación de su primer álbum Led Zeppelin I, los que inauguran la era de las superbandas de rock y marcan en el plano intencional las líneas maestras del heavy metal, al extremar aún más la postura enérgica adoptada por el hardcore y el glam en las postrimerías de los años sesenta.
Algunos de los intérpretes de "heavy metal" que han destacado son
Hawkind, Cream, MC5, Yardbirds, Iron Butterfly, Steppenwoolf, Blue Öyster Cult, Ted Nugent, Amboy Dukes, Thyn Lizzy, Blue Cheer, Kinks, The Who y The Stooges.
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| Hawkind |
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| Iron Butterfly |
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| The Stooges |
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Punk:
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| The Ramones |
La expresión englobó a un conjunto de bandas surgidas en Londres y cuyo epicentro se encontraba en la tienda de moda que desde 1971 regentaba en King´s Road,
Chelsea, el promotor y veterano simpatizante del movimiento suprematista
Malcolm McLaren y la diseñadora
Vivianne Westwood. No obstante, pese a que serían estas y otras formaciones afines las que a mediados de la década darían su perfil definitivo al movimiento punk, sus antecedentes más claros se encuentran en Estados Unidos. Es indudable que bandas como
MC5 (que emprende su andadura en 1968),
Velvet Underground (que se disuelve en 1970),
Iggy Pop and
The Stooges (cuyos primeros conciertos se remontan a 1969),
New York Dolls (formada en 1973 y patrocinada por McLaren),
The Ramones,
Television (ambas creadas en 1974), y solistas como
Patti Smith o
Alex Harvey, aportaron con sus actuaciones en directo un visión renovadora e inconformista del rock que sirvió de modelo inspirador a los punks británicos.
Ya se trate de una u otra corriente, el punk rock no se limitó a ser tan sólo un estilo musical. Primero porque sus primeras manifestaciones poseen un carácter más general y purista al afirmar y rechazar la decadencia del rock profesionalizado y desvirtuado en aquella época por los intereses comerciales de las grandes compañías discográficas. Junto a estos factores, la crisis de la conciencia nacional —exaltada con modales victorianos desde el Gobierno— y el descontento generalizado explican que existiera un caldo de cultivo propicio para que el punk alcanzase una gran resonancia en todos los órdenes de la vida de los británicos, impacto imprevisto en principio respecto a las aventuras musicales de algunos muchachos descontentos. Por último, el punk conoció una rápida e inusitada difusión, visual antes que musical, gracias a sus manifestaciones externas, que no se redujeron a la simple exhibición de sus llamativos y singulares rasgos de identidad estética, marcados por la espontaneidad y el afán de ruptura.
Algunos de los intérpretes más destacados en el punk han sido:
Sex Pistols, The Clash, The Damned, Johnny Thunders and the Heartbreakers, Richard Hell, Flowers of Romance, The Vibrators, Siouxsie, The Banshees.
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| Sex Pistols |
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| Johnny Thunders Heartbreakers |
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| The Banshees |
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Rap:
Estilo musical que surge en los barrios negros e hispanos neoyorquinos. Vinculado desde principios de los 80 a los ambientes de la cultura hip-hop, a imagen y semejanza de ésta integra diversas corrientes, como la break dance music, el electro, el graffiti urbano o el scratch. Si el hip hop se distinguió por evolucionar a partir de las formas primigenias de la música religiosa de la comunidad negra de Estados Unidos, a través de una expresividad laica y popular que se concilió muy a menudo con el funk, el rap se desarrolla sobre todo por dos vías: rompe sus lazos con el funk y la música disco de consumo acentúa su relación con el break dance al tiempo que radicaliza sus signos de identidad callejeros mediante formas autónomas y un lenguaje específico y combativo. En sus primeras manifestaciones, y siguiendo la pauta break, el rap surgió de las operaciones que en las salas de baile ejecutaba un disc jockey ("pinchadiscos", también llamados DJs) utilizando uno o varios temas, al objeto de conseguir de las interrupciones y mezclas resultantes una composición que sirviera como vehículo sonoro a la recitación del solista o, con mayor frecuencia, a un nutrido conjunto de intérpretes. La púa del tocadiscos, en consecuencia, se convertía en un elemento fundamental de los temas rap y mediante las ráfagas breves y reiterativas, salpicadas de arrastres rítmicos, enfatizando rimas que se nutren de jergas, efectos onomatopéyicos, bromas y consignas, se desencadenaba un juego de réplicas y contrarréplicas muy sugestivo, que a su vez se complementaba con provocativas escenificaciones.
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| Tina Turner |
Estos rasgos esenciales del rap —en especial todo lo que se refiere a sus letras— tienen su origen en las fórmulas publicitarias emitidas por radio y televisión donde dos o más personas conversaban coloquialmente sobre un producto, combinadas con las remezclas de música disco que los jóvenes negros, hispanos y chicanos empleaban para bailar y divertirse al aire libre en los guetos. Por ello el rap tuvo en sus comienzos un alcance limitado, pues raras veces penetraba en el ámbito de las discotecas, copadas por temas comerciales también interpretados por negros (como
Grace Jones, Chic y Tina Turner). El tema 'Rapper´s delight', de Sugar Hill Gang, editado en 1979, fue una de las composiciones estrella de este estilo, que se inscribía en el ámbito ecléctico practicado por bandas fundacionales como
Afrika Bambaata and
The Soul Sonic o el más radical de
Grandmaster Flash and
the Furious Five.
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| Beastie Boys |
Pero es a partir de los años 90 cuando los álbumes rap alcanzan una presencia regular en las listas de éxitos de la revista Billboard y el estilo se diversifica, atrayendo a sus filas de adeptos a músicos blancos, como los
Beastie Boys, procedentes del punk rock y del heavy metal, como
Anthrax o
Suicidal Tendencies, entre multitud de bandas de vida efímera. No obstante, el impacto masivo provocado en esa época por el rap atrajo a numerosos artistas que, en el intento de conciliar comercialidad (música disco, sobre todo) y una nota nueva en el mercado de las grandes compañías (un caso singular lo representa
MC Hammer, promotor de boxeo de pesos pesados en sus ratos de ocio y 'niño mimado' de la cadena MTV) y grupos más ligeros, desfiguraron las esencias del movimiento, hasta el punto de que bandas como
2 Live Crew,
NWA,
Ice-T y, sobre todo
Public Enemy, sufrieron una sistemática marginación por parte de los medios y la crítica especializada, luego de soportar un largo periodo de silencio involuntario en que sus trabajos fueron sometidos a censura en las emisoras y a juicios en los tribunales.
El rap genuino, al asumir en sus letras y ritmos la épica urbana de la violencia diaria (crimen, droga, cárcel, represión), el sexo explícito y la pornografía dura, el machismo, las posturas políticas de izquierda radical y la justificación de la lucha armada contra el orden establecido, en consonancia con las tesis más duras de
Malcolm X y
los Panteras Negras, ha sido atacado con inusitada agresividad por los sectores más conservadores de Estados Unidos y Europa.
Intérpretes destacados en el rap:
Vanilla Ice, Jazzy, Jeff and the Fresh , Prince, Niggers With Attitude, Stephen Frears y Spikee Lee,... entre otros.
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| Vanilla Ice |
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| Prince |
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| Spikee Lee |
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Disco:
Estilo de música popular americana, destinada especialmente a ser bailada, de moda desde 1975 hasta principios de los años ochenta. La música disco, se resume ante todo como un ritmo simplificado derivado directamente del soul y del funk: ritmo binario dominado por un bombo y un bajo que repite el mismo tempo con la regularidad de un metrónomo. Se confecciona en estudio según unas formulas rígidas y consiste especialmente en un trabajo de técnicos y arreglistas. Se trata de compaginar el ritmo de base con los efectos de violines, los sintetizadores y las voces mas o menos rebuscadas. Destacando en este estilo
Donna Summer, Gloria Gaynor y Bee-gees. entre otros intérpretes.
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| Donna Summer |
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| Gloria Gaynor |
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| Bee-gees |
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Como continuación de estos estilos, siguen surgiendo más y más, como son el Pop Rap, el Moobahton, el Electgropop, el Dance pop, la Cumbia villena, la Cumbia pop, el Complextro, el Trance, el Techno, el Alternativo, el Reguetón, el Post punk revival, el Pop Rap, el Mathcore, la indietrónica, la Música Hause, el Hardcore, el Grindie, el Electroclash,... etc. etc...
... Espero que mi nieto "Galo Alfaro Toribio" siga mis pasos en esto de publicar blogs (o lo que se haya puesto de moda en las publicaciones) y continúe rastreando las huellas de la música, describiendo y dando homenajes a cada uno de estos estilos y los que se implanten durante su etapa, para cubrir también este sendero durante el siglo XXII.
Yo viví intensamente la mitad del siglo XX amando el arte en general y disfrutando de la música en particular, ... y ese período, doy fe, que fue otro trampolín más para ir construyendo el futuro de los estilos musicales, dejando constancia de su poso, que poco a poco sigue empapando sin descanso los escalones del futuro, enganchado el pasado de miles y miles de años, ... sin olvidarse al tiempo de ir abriendo las puertas del mañana durante este siglo XXI,... y seguro que los siguientes siglos, irán relevando el ayer con el hoy y el presente con los sueños y melodías del nuevo día. (@José María Alfaro Roca)
West Coast jazz. En esa misma época, en la Costa Oeste, la evolución del jazz se desarrolló por caminos menos influenciados por los músicos neoyorquinos de bebop, directamente herederos de Lester Young y de la evolución que habían tenido big bands como las de Woody Herman, Conrad Gozzo, Stan Kenton o Wardell Gray. El nuevo estilo, que acabaría conformándose como la línea principal de desarrollo del cool, fue impulsado especialmente por músicos como Howard Rumsey, Shorty Rogers o Shelly Manne, y generó obras que tuvieron una enorme repercusión comercial, como es el caso de Time Out, de Dave Brubeck y Paul Desmond, que se convirtió en el primer disco de jazz en vender más de un millón de copias, gracias al tema "Take Five".También obtuvo un importante éxito comercial Stan Getz, otro de los líderes del movimiento cool, que procedía de las orquestas de Stan Kenton, Benny Goodman y Woody Herman y que terminaría popularizando la bossa nova, con sus discos West Coast Jazz, Early Autumn (1948) y Quartets (1950), mientras que Lee Konitz es considerado por algunos críticos como la quintaesencia del músico cool. Gerry Mulligan, otro de los principales representantes de esta corriente, editó Mulligan Plays Mulligan (1951), Gerry Mulligan Quartet (1952), y Mulligan Quartet (1952); Art Pepper grabó Discoveries (1954), Art Pepper Quartet (1956), Meets the Rhythm Section (1957) y Omega Alpha (1957); Jimmy Giuffre lanzó Jimmy Giuffre 3 (1956) o Western Suite (1958); Chet Baker publicó Grey December (1953), Chet Baker & Strings (1954) o Chet Baker Sextet (1954); Chico Hamilton grabó Spectacular (1955), Quintet In Hi Fi (1956) o Mr Jo Jones on Quintet (1956); Jim Hall, por último, destacó por un sonido limpio y tranquilo -justo la antítesis de Charlie Christian- que anticipaba la llegada de un tipo de jazz más suave y relajado.
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